Este Viernes 17 de Mayo Moers Festival en Alemania vivirá una fiesta con un mega maratón de John Zorn celebrando los 60 años de vida del músico en cuestión – Zorn at 60 – para esta ocasión se vivirá una serie de presentaciones con Song Project, el proyecto para vocalistas que en primera instancia debutaría en Marzo luego de su cancelación en Francia.

The Song Project, es un proyecto en el cual Zorn invitó a sus cantantes favoritos como Sean Lennon, Sofia Rei Koutsovitis (Mycale), Mike Patton y Jesse Harris (quién nos visitó el año pasado con Norah Jones) para cantar una pieza selecta con las mejores composiciones que ha escrito John Zorn en estos últimos 30 años. Los músicos para esta ocasión serán John Zorn en saxofón, Mike Patton, Jesse Harris y Sofia Rei en vocales, John Medeski en piano, Marc Ribot en guitarra, Trevor Dunn en bajo, Kenny Wollesen en vibráfono, Cyro Baptista en percusión y Joey Baron en batería.

Continuará el concierto con un segundo acto presentando Zorn  ”Illuminations” estrenado en 2011 en Millers Theater, una salvaje pieza inspirada bajo los titulos de Arthur Rimbaud con Steve Goslin en piano, Trevor Dunn en contrabajo y Kenny Wollesen en batería. Luego continúa con  ”Holy Vision” estrenado en Octubre del 2012 en Irlanda, inspirada en las obras de Hildegard Von Bingen, reproduciendo la obra en latin con Lisa Bielawa, Martha Cluver, Melissa Hughes y Abby Fisher y Kirsten Sollek en voces.  Y finaliza este segundo acto con The Alchemist, una esotérica obra conducida en 1587 por el alquimista real Dr. John Dee, esta obra se reproducirá en Moers con “Arditti String Quartet” con Irvin Arditti, Ashot Sarkissian, Ralf Ehlers en Viola y Lucas Fels en Chelo. 

Se continuará luego con un tercer acto con Moonchild presentando Sacred in Templars Blood. Y para finalizar un último acto con Dreamers junto a Marc Ribot, Jamie Saft, Trevor Dunn, Kenny Wollesen, Joey baron, Cyro Baptista bajo la conducción de John Zorn, rematando con Electric Masada, con Marc Ribot, Jamie Saft, Trevor Dunn, Kenny Wollesen, Joey Baron, Cyro Baptista e Ikue Mori.

En total son aproximadamente 3 horas y media de concierto ininterrumpido, el cual podrás seguirlo en vivo a eso del medio día de este Viernes  gracias a Arte TV de Francia en el siguiente link >> pincha acá <<

PD: Ante cualquier problema con la transmisión, les asguramos que tendremos el material para ustedes a la brevedad.

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Gracias a Bruno Hernández de México por el dato

En 2011 Tzadik lanzó un nuevo espacio para músicos y bandas emergentes de todo el mundo, esta nueva generación se denominó “Spotlight” o “nuevo foco”, dentro de esta categoría quedaron bandas como Les Rhinocéros, Many Arms, Aram Bajakian y una banda que nos llamó mucho la atención con un sonido increíble titulada “Pet Bottle Ningen”, un híbrido jazzístico con elementos de rock, libre improvisación y noise en sus composiciones, formados por Dave Scanlon en guitarra, Dave Miller en batería y la japonesa Nonoko Yoshida en saxofón alto, 3 músicos atrapados en una botella de plástico, conceptualmente.

Su historia empezó con muy bajo perfil, ayudando con trabajos a medio tiempo en The Stone  y fue así como este trío Nipón/Americano captó la atención de Zorn, y en cuestión de tiempo dieron rienda suelta a su imaginación y editaron su primer disco homónimo en 2010, con canciones realmente “alteradas”.

Desde su primera edición bajo la etiqueta de Tzadik, lograron establecer numerosas presentaciones por los Estados Unidos y visitar Japón en gira un par de veces, todo un logro con una buena aceptación de sus oyentes tanto internos como foráneos – como nosotros – que tratamos de seguir sus rastros y sembrar una buena relación.

Este año la banda que atrapa sonidos dentro de una botella de plástico nos trae un nuevo disco titulado “Non-Recyclable”. Ante la premisa de ser músicos improvisadores, esta vez traen un disco mucho más fino en sus composiciones dando lugar y espacio a la pura y plástica materialización de las catorce canciones que componen el álbum. Hay espacios para diferentes fragmentaciones, hay diferentes duetos entre tema y tema entre batería y guitarra, guitarra y saxo, entre otras combinaciones bastante peculiares.

El disco comienza con mucha fuerza, con “Mijinko” un minuto y 47 segundos de una sórdida composición para saxofón por Nonoko quien se roba toda la batuta, logrando esa maestría adquirida por ver a los genios de saxo con los cuales se rodeó por años en The Stone,  “Chocolate With”, ¿será posible acompañar a una canción con chocolate?, puede que sí, mezclando  bien el sonido del saxo, la batería furibunda junto con una guitarra improvisando, agita bien y sírvelo fresco, un vertiginoso tema capaz de sacarte de quicio fácilmente. “Konta” un maravilloso tema dedicado al perro de Nonoko cuyo nombre es el tema de la canción, es algo que representa a la mascota, arreglos juguetones de batería y  tranquilidad a ratos.

En catorce composiciones, Pet Bottle Ningen se las ingenia en crear un disco muy entretenido de escuchar, sin embargo ante tanta improvisación y trabajos de composición que escuchamos en el disco, podemos entrever que ha sido un arduo trabajo como músicos para salir adelante, y valiéndose de nuevas ideas han tenido que innovar componiendo un registro sonoro lleno de detalles, llamando la atención de Zorn y amistades a la redonda de escuchar este nuevo y refrescante lenguaje que ha traído Pet Bottle Ningen a la palestra, con música no reciclable y duradera por mucho tiempo más.

Pet Bottle Ningen – Non-Recyclable [Tz - 7806 / 2013]

1. Mijinko
2. Lick Sketches #3
3. She Divided
4. Chocolate With
5. Eleven Months
6. Konta
7. Peacock Spider
8. Creatures Of Habit
9. Ai
10. Comments
11. Tiny Sonata
12. Lick Sketches #4
13. Glaucus Atlanticus
14. While Sitting

Encuentra a Pet Bottle Ningen en:

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Artículo por Francisco Javier Rodríguez

La confirmación de Moonchild en Sudamérica, luego de la exitosa gira del cuarteto Masada durante 2012,  es sin dudas una noticia que a muchos nos dejó sumamente entusiasmados y expectantes ante la nueva chance de volver a  disfrutar en directo y con pleno gozo de otro proyecto  -y esta vez de uno diametralmente diferente- del maestro John Zorn.

Imagino que hay varios que se sienten atraídos por el interesante line-up de la banda, así como también deben haber otros que están plenamente alerta por experimentar la sensación de estar expuestos al salvajismo que propone el compositor a través de este híbrido oscuro, tal vez el más violento desde la transición 80-90′s de Naked City.

Sin embargo, e independiente de la motivación que nos convoque a la seguidilla de conciertos agendados para Junio, creo que es sano y totalmente constructivo exponer algunos conceptos, líneas e información acerca de la génesis de Moonchild y el interesante tejido que ha construido Zorn a lo largo de estos 8 años en las 6 placas que ya ha editado con este ensamble.

La concepción del proyecto guarda relación con la capacidad que ha tenido John Zorn en esculpir con tres herramientas/insumos exquisitamente complejos. Me refiero a la vida y obra de Antonin Artaud, Edgar Varese y Aleister Crowley, quienes han dejado su impronta y legado en las artes literarias, musicales y ocultistas, en diversas generaciones.

Antonin Artaud, dramaturgo y novelista Francés, es la fuente de inspiración que justifica la violencia, salvajismo y lenguaje de expresión que utiliza Zorn en sus composiciones para Moonchild. La carrera de este autor de principios del siglo XX, se pulió a través de sucesivos fracasos en sus montajes teatrales más convencionales, los que como consecuencia generaron un cambio profundo en la manera de estructurar sus obras en el contexto de la interacción con la audiencia, dando así el pie para el planteamiento de su propia teoría y bases acerca del Teatro de la Crueldad.

Antoine Marie Joseph Artaud (1896 – 1948)

Artaud, paranoico y transgresor, vivió durante casi una década bajo tratamiento psiquiátrico dentro de manicomios como producto de su comportamiento y personalidad irritable (con base en una neurosífilis adquirida de uno de sus padres). Siempre estuvo en contra de quienes lo calificaron de loco y plasmó este rechazo en su obra, la que de manera sangrienta y cruel, siempre fue crítica del arte y la fe, que según él, eran parte de la miseria humana.

Esta corriente teatral sostiene su estructura en la conjunción de música, gritos, danza y luces,  que en sus diversas formas de ejecución y aplicación, permitan afectar a la audiencia tanto como fuese posible. Las situaciones inesperadas en la obra, son factores fundamentales en este tipo de teatro.

Una frase de Artaud, muy necesaria de citar es la siguiente: “No ha quedado demostrado, ni mucho menos, que el lenguaje de las palabras sea el mejor posible“. Con esto se justifica el lenguaje preverbal compuesto por John Zorn para las interpretaciones de Mike Patton, y la enérgica puesta en escena que requiere el show.

En términos netamente musicales, la influencia del compositor francés Edgar Varese (contemporáneo de Antonin Artaud) es la que brinda el anclaje a la complejidad de ritmos que afloran en el proyecto.

Edgard Victor Achille Charles Varese (1883 – 1965)

Varese fue protagonista en el desarrollo de la música acusmática, la que implica la utilización de sonidos sin la observación de las causas de éste. También fue pionero en la manipulación de estructuras construidas con partituras a través de cortado y pegado de cintas y aquellas nuevas tecnologías de grabación en la época, lo que en consecuencia lo transforma en un referente de la música concreta, o sintética. De este modo se comprende la sucesión no lógica de intervalos rítmicos disimiles en la composición de John Zorn.

Trevor Dunn y Joey Baron son intérpretes de piezas que requieren cambios bruscos en términos de velocidad y armonía, muy abundantes en la discografía de Moonchild.

Finalmente, y para cerrar el triángulo conceptual, hay que escarbar en el nombre de Aleister Crowley, quien barniza la saga de Tzadik con oscuridad, magia y misticismo.

Edward Alexander Crowley (1875 – 1947)

Crowley, también conocido como La Gran Bestia, fue un escritor, esotérico y ocultista, que a lo largo de su vida publicó más de 80 libros, muchos de ellos relativos a la cábala, la magia y demás expresiones. Fundador de la filosofía Thelema (cuyo nombre viene de la abadía de Francois Rabelais en su libro Gargantúa y Pantagruel), generó marcadas influencias con sus prácticas de libertad sexual, experimentación con todo tipo de drogas, meditación y fusión de cultos occidentales y orientales.  De hecho, la filosofía de Crowley se rige por la sentencia de hacer la voluntad propia.

Escribió las bases de Thelema en el texto sagrado “El Libro de la Ley”, y dice haberlo hecho en estado de Medium, oficiando de canal para el ángel guardián Aiwass. Así, gente como Anton LaVey y los miembros del movimiento de magia ritual moderna han sido altamente inspirados por las enseñanzas de la Bestia.

Desde la nutrida y oscura lista de publicaciones que lo vieron como autor viene la creación que dio bautizo al proyecto de Zorn. Moonchild es el título de una novela publicada durante 1929 (pero escrita en 1917) que tiene como autor a Aleister Crowley.

El relato guarda relación con una joven que es seducida por un mago, quien a través de ella pretende adquirir fortaleza para entrar en una guerra entre magia blanca y negra. La acción se lleva a cabo entre rituales y  preparativos para impregnar a la chica con el alma de un ser etéreo, llamada Moonchild, y así volverse más poderoso. El estallido de la guerra se enmarca en la primera guerra mundial, en donde los magos blancos apoyan a los aliados, mientras que la contraparte se alinea con las potencias centrales. Todo es magia, fantasía y violencia desbordante.

La primera publicación del proyecto compuesto y conducido por John Zorn, Moonchild: Songs Without Words, (lanzado en Mayo de 2006), es el primer golpe que encapsula las vertientes conceptuales de los 3 autores anteriormente mencionados. Bajo la configuración de trío (Patton, Dunn, Baron), y con la dirección en estudio bajo el sistema de tarjetas utilizado en los inicios de Electric Masada (sí, EM y diferente al del juego Cobra),  se obtiene el registro que da muestras de la oscuridad suministrada por el legado de Crowley.

La referencia a este extraño y oscuro mago es explícita a través de los títulos de los tracks que conforman el álbum. Equinox, por ejemplo, rescata el nombre de la revista en la cual Aleister Crowley con la ayuda de sus colaboradores publicaba sus enseñanzas. Por otra parte, Hellfire hace un guiño al club originalmente llamado “Monjes de Medmenham” liderado por Francis Dashwood, el cual estuvo conformado por un grupo de elitistas intelectuales y hedonistas que  respondían al lema Thelema en la abadía de Rabelais,  concepto que posteriormente sería desarrollado por Crowley en su filosofía/religión del mismo nombre. Así  no es necesario explicar el nombre del track Ghost of Thelema.

Sin la necesidad de hacer un análisis musical y por lo tanto, avanzando en la discografía, nos encontramos con Astronome, la segunda placa del proyecto (lanzada oficialmente en octubre de 2006) y cuyo origen se remonta al año 2004 cuando Zorn se encuentra con el dramaturgo neoyorkino Richard Foreman, uno de los grandes exponentes y responsables del teatro vanguardista o “alternativo” norteamericano en la era moderna. En el desarrollo de la conversación surgida de este encuentro fortuito, nace la idea de colaborar y armar un trabajo en conjunto. En ese entonces es cuando Foreman le propone a Zorn que escriba una opera para vocalización (la cual nunca se ha llevado a cabo como tal).

Así, John Zorn antes de aventurarse a cualquier experimento, entra en cuestionamientos sobre la importancia del rol que desempeña la opera en la actualidad….pues el alejamiento de ésta sobre la vida cotidiana y lo elitista que se ha convertido con el paso de los años lo hace reformular aquella gruesa idea propuesta por Foreman.

El hecho de ver como “un sueño” la posibilidad de trabajar con el fundador del Ontological-Hysteric Theatre, permite a Zorn inspirarse en la composición de una obra totalmente alternativa a la opera docta y formal. De esta manera y en el marco de una nueva lectura a su bibliografía de Artaud, decide canalizarla a través del mismo grupo intérprete de Moonchild.

Atronome recoge su título de uno de los dos más grandes y ambiciosos proyectos en los cuales trabajó Edgar Varese en su vida y que nunca concluyó (Astronome y Espacio, respectivamente) . Se trataba de un trabajo de formación a gran escala que en primera instancia estaba basado en leyendas de etnias nativas norteamericanas, ideas que mutaron con el tiempo hacia líneas dramáticas futuristas  que convergían en catástrofes naturales y la consecuente comunicación con la estrella de Sirio. El proyecto se vio interrumpido al momento en que el compositor abandonó -con una gran cantidad de la obra terminada- para dedicarse en una colaboración (que paradójicamente tampoco llegó a su fin) junto a Antonin Artaud, el responsable de escribir el libreto. Bueno, Artaud cumplió con el envío de “Hay más Firmamento”, sin embargo Varese en ese momento ya se encontraba embarcado en “Espacio”, su fallida sinfonía vocal que sería cantada por coros situados en París, Moscú, Pekín y New York. Tras sus 2 grandes proyectos fracasados, Varese fue enfático en justificar su frustración en la inexistencia de instrumentos electrónicos que permitieran canalizar los sonidos que tenía en su mente.

El resultado obtenido por John Zorn, es una opera de 3 actos divididos en 7 escenas, cuya extensión auditiva abarca tres cuartos de hora. El autor define el resultado como si Arcana* se encontrase con el Teatro de la Crueldad, es decir, una conexión de lo espiritual y místico con el shock violento de Artaud. De los condimentos que dan un sabor extra a la obra es necesario comentar que el primer y último acto de Astonome están compuestos de manera estricta, con un intervalo central de mayor libertad y mixturas basadas en una tarjeta inconclusa que Zorn escribió sobre el chileno-francés Alejandro Jodorowsky, quien ha reconocido abiertamente sus influencias en el Teatro de La Crueldad de Artaud.

De la frustración de Varese y la gran cantidad de material por compilar por parte de John Zorn, no es extraño conectar de manera inmediata hacia la siguiente obra de Moonchild, Six Litanies For Heliogabalus, la que inteligentemente ve una mutación dentro de su configuración con la adición de elementos electrónicos y figuras sintéticas (dando consuelo al vacío que tuvo Varese en sus años). Ikue Mori, Jamie Saft y un trío de voces femeninas se adhieren a las grabaciones junto al potente saxo del dueño de casa. En palabras muy personales, nos encontramos con el disco más perverso de la saga…bueno, el título ya converge hacia esa clasificación con el sólo hecho de contener el nombre de Heliogábalo.

Heliogabalus fue el apodo de un emperador romano que inspiró a Antonin Artaud para escribir una de sus obras más sangrientas y desenfrenadas -de investigación minuciosa-  representada por un libreto lírico cargado de violencia y contenido sexual. Zorn al internarse en aquella publicación con fuente de inspiración en el emperador, decide liberar las 6 plegarias en honor a este peculiar personaje, quien brilló por ser un atípico y perverso líder.

Heliogábalo -De nombre real Vario Abito Bassiano- ascendió al poder tras ganar la batalla de Antioquía, derrocando al emperador Macrino (sucesor “interino” de Caracalla). Con tan solo 14 años asume al poder y de manera inmediata comienza a polemizar por lo poco conservador de su mandato. Desenterró tabúes sexuales e ignoró tradiciones y rituales religiosos en Roma, generando cambios sustanciales en la espiritualidad de su pueblo. Reemplazó al dios Jupiter por “Deus Sol Invictus”, y dictó obligaciones a todo nivel jerárquico respecto al tema ritual en alabanzas a esta nueva deidad.

En 4 años se casó 5 veces y tuvo prácticas bisexuales en su palacio imperial. Hubo muchas especulaciones de uso de poder y ejercer influencias en favor de sus amantes homosexuales, así como también lo acusaron de prostituirse bajo su mandato. Las repercusiones de sus actos se vieron reflejadas por el enorme rechazo de la Guardia Pretoriana y del senado romano, quienes lo vieron caer asesinado a la edad de 18 años, producto de un complot liderado por su propia abuela.

Con estos antecedentes se entienden los actos blasfemos y enfermizos de las oraciones ideadas por John Zorn para ser interpretadas por Mike Patton.

Video extracto de Litany IV del álbum Six Litanies for Heliogabalus

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Ya con la revisión conceptual de las primeras 3 entregas de la saga: Moonchild // Astronome // Six Litanies For Heliogabalus, dejamos la invitación abierta a revisar nuestra próxima publicación con líneas acerca de Crucible, Ipsissimus y Templars, con la finalidad de cerrar el libro oscuro que deberíamos todos tener en la retina, para poder ser capaces de soportar el golpe mágico con el cual viene John Zorn junto a sus secuaces a nuestras tierras a mitad de año.

…Parte II del Especial Moonchild disponible dentro de la segunda quincena de Mayo.

*Arcana es la serie de libros producidos por John Zorn y editados en Tzadik en donde se expone -entre otros tópicos- los testimonios y relatos de músicos y sus conexiones espirituales, personales, y místicas con la música. El título Arcana guarda relación con la obra orquestal que quiebra la línea de publicaciones no convencionales del  autor Edgar Varese.

Fillipo Marinetti (1876 – 1944)

Corría el año 1997, y Mike Patton se encontraba de gira con Faith No More, durante todo un año promocionando el “Album of The Year”. Previamente en 1996, incluso mucho antes, la afición de Patton por llevar sus límites vocales hacia otro nivel, lo habían llevado a ejecutar registros vocales de corte experimental y de libre improvisación con Kronos Quartet, Bob Ostertag, Rova Saxophone Quartet (Mr. Bungle/Rova – 1994), Bill Laswell, Milk Cult y Naked City reemplazando el puesto de Yamantaka Eye. Fue por el 96’ cuando debutó con su primer disco como solista, yendo un paso más allá del trabajo que realizaba con Faith No More o Mr. Bungle, un paso que lo llevó a ejecutar la libre improvisación hacia niveles impensados por el músico en cuestión, simplemente con sintetizador y micrófono; este nuevo paso se llamó “Adult Themes for Voice”, lanzado en 1996 por Tzadik Records.

La verdadera razón del por qué Mike Patton realizó este disco, fue a petición de John Zorn, quién le pidió realizarlo como un nuevo desafío. La principal motivación fue la gran admiración hacia el multi-instrumentalista Griego/Italiano Demetrio Stratos, quien fue la inspiración para crear un disco “académico”. Pues bien, luego de esta nueva incursión hacia la música experimental, Patton se fue a vivir a Italia, y fue en el periodo de un año luego de Adult Themes For Voice, que volvió a arremeter con un nuevo disco surrealista titulado Pranzo Oltranzista (Almuerzo Extremista), un disco de corte experimental y avant-garde junto a Erik Friedlander, Marc Ribot, William Winant y John Zorn.

Pranzo Oltranzista: Musica da Tavola per Cinque (Almuerzo Extremista: Una pieza de banquete para cinco) fue el segundo disco solista de Patton, y está inspirado en la obra futurista “La Cucina Futurista: Un pranzo che evitò un suicidio (1930)” (La Cocina Futurista: Un almuerzo que evitó un suicidio) por Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), el fundador de la corriente futurista y creador del “Manifiesto Futurista (1908)” en el siglo XX. ¿De qué se trata todo esto? En esos entonces se buscaba nuevos movimientos de vanguardia, que rozasen por sobre la ironía y el absurdo categórico, por ello que el futurismo como corriente en Italia, ante tanto absurdo e ideas radicales, se torna violento, llegando a tener cabida este pensamiento dentro del absurdo demagógico del fascismo con la premisa que el futurismo podría ayudar a explicar el por qué el fascismo nacionalista podría surgir en Italia, siendo este fenómeno parte de las reformas sobre las costumbres alimenticias en Italia.

La primera junta futurista – París 1912

El futurismo fue un movimiento vanguardista cuya principal idea fue revolucionar y modernizar todos los aspectos de la vida en Italia, una batalla hacia el pasado pobre del país. Como concepto ayudó a levantar y renovar la poesía, teatro, música, sobre la música cabe destacar que uno de los grandes exponentes de la música futurista fue Luigi Russolo, quien a su vez fue el mejor amigo de Marinetti y firmó en 1910 el manifiesto futurista. El principal aporte de Russolo, fue el “Arte de los ruidos (1913)”, un intento efectivo de cruzar el ruido con elementos de la vida cotidiana, a la postre fue el creador del intonarumori, creando por consiguiente los patrones musicales del intonarruido. La base de este instrumento son cajas sólidas de diferentes tamaños, y en su interior se encuentra una bocina alargada, por la cual mediante una manivela genera un ruido similar a la bocina de una ambulancia, creando una escala de diez tonos completas con sus semitonos. En 1914 Russolo y Marinetti realizaron 12 actuaciones ante 40.000 personas, quienes presenciaron “la música del futuro”.

Marinetti y Russolo tocando los intonarumoris

Pranzo Oltranzista.

Pranzo Oltranzista, en cuya carátula podemos vislumbrar un Intonarumori, es un homenaje hacia las obras futuristas de Russolo y Marinetti, pero con una inspiración definida hacia el libro de La Cocina Futurista. Éste es un catálogo para ocuparse en la vida cotidiana de la cocina, fue tanta la llegada de este libro, que Mussolini quería que fuese oficial, en éste se renovó el arte culinario con un recetario futurista, junto a un romántico arreglo de la mesa, además de condicionar los modales a la hora de comer. El principal enemigo de esta corriente fueron las pastas, las principales premisas eran:

• a) La abolición de la pasta como la absurda religión de la gastronomía Italiana.
• b) La supresión del volumen y el peso con el fin de concebir y evaluar la comida.
• c) La abolición de las mezclas tradicionales para el experimento otras nuevas mezclas aparentemente absurdas, de acuerdo con el consejo de cocineros de Maincave  y otros futuristas.
• d) La abolición de los placeres mediocres y cotidianos del paladar.

 Al descubrir las premisas de este libro, podemos mentalmente elucubrar el cómo un libro y dos autores Marinetti y Russolo influenciaron a Mike Patton y John Zorn a crear un disco tan bizarro como las ideas publicadas en La Cocina Futurista, compuesto por una selección de 11 canciones, cada una representando una receta, en donde con gran imaginación se recrea el absurdo de ellas con imágenes mentales y vívidas recreaciones con piezas para chelo, piano, percusión, saxo, junto con grabaciones especialmente editadas por Mike Patton.

Escarbando en el disco podemos claramente vislumbrar cada receta, pero hasta cierto punto, pues no detallan con precisión de qué se tratan. Con libro en mano, descubrimos verdaderas locuras futuristas con exquisitos detalles de traducción que revelamos a continuación.

1.- “Elettricità Atmosferiche Candite” (Electricidad atmosférica confitada)

Y he aquí, aparecen los camareros con grande bandejas que llevan el “siervo volado de pradera”, consistente en una mezcla discretamente diabólica, donde rodajas de remolacha y rodajas de naranja hacen causa común, aliadas con aceite y vinagre y una pizca de sal. Muchos de los comensales tenían ya, en este punto, sus aparatos digestivos en condiciones no del todo normales, por lo que no se puede culpar si no supieron reprimir un instintivo gesto de terror cuando apareció la elegante bandeja “los alimentos concluyentes”. Alimentos que se jactaban de un nombre muy dinámico: “Electricidad atmosférica confitada”. Esta querida e inolvidable “Electricidad” tenía la forma de jabón coloridísimo de mármol de imitación, conteniendo en su interior una pasta dulce hecha con ingredientes que sólo sería posible especificar con un paciente análisis químico.

Debemos decir, por el bien de los periodistas, que sólo una mínima parte de los convidados se atrevió a llevarse estos jabones a la boca, de los que se atrevieron no se conoció, desafortunadamente el nombre. Decimos desgraciadamente porque tal grupo de héroes merece ser visto, por lo menos, inmortalizado en una placa de bronce.

Se llegó, por lo tanto al amarizaje digestivo: amarizaje que no todos alcanzaron a cumplir, ya que muchos ya se habían hundido al momento del despegue. Y se levantó para hablar Marinetti con una elocuencia admirable, que surgió espontáneamente como si no hubiera tocado la comida, se lanzó en una diatriba acalorada contra la infamia de las pastas y de la afrenta de ravioles, exaltando, con la comparación, la comida futurista, y especialmente las plantas de dátiles anfibios, de quien al inicio del banquete, hubiera podido disfrutar de una inolvidable muestra.

Se sentó Marinetti, saltó en pie el poeta Farfa, que declamó con ímpetu aviador, un himno casi pindárico, titulado “Tuberías”.

200 hilos de algodón de azúcar empapado en Asti espumante (vino dulce espumoso) y servido con un montón de piñas fritas.

2.- “Carne Cruda Squarciata Dal Suono Di Sassofono” (Carne cruda dividida por el sonido del saxofón)

Cortar un cubo perfecto de carne de vacuno. Atravesarlo con descargas eléctricas y tenerlo 24 horas reposando en una mezcla de ron, coñac y vermouth blanco. Extraerlo de la mezcla, servirlo sobre un lecho de pimiento rojo, pimiento negro y nieve. Masticar cuidadosamente cada bocado por un minuto, dividiéndolo uno del otro por impetuosas notas de trompeta* soplada por el mismo comensal. (En el libro se refiere a una trompeta, pero es reemplazada en el disco por el instrumento de Zorn).

3.- “Vivanda In Scodella” (Comida mágica)

Se sirven tazones no muy grandes, cubiertos externamente por materiales táctiles ásperos. Debemos sostener el tazón con la mano izquierda y coger con la mano derecha las misteriosas esferas contenidas en el interior: serán todas las esferas de azúcar quemado, pero cada una rellena de diferentes elementos (como fruta o rodajas confitadas de carne o ajo crudo o puré de bananas o chocolate o pimienta), de modo que los invitados no puedan adivinar qué sabor será introducido en la boca.

Magia en un tazón: Cinco tazones, cada uno cubierto en el exterior, ya sea con fieltro, láminas de aluminio, lana de acero, esponja o corcho. Los tazones se llenan de bolas de caramelo rellenas con carne cruda, ajo, plátano o pimienta de cayena. Comer con los ojos vendados.

4.- “Guerra In Letto” (Guerra en la cama)

Es un cocktail afrodisíaco, fecundador

Ingredientes: Un tazón de licor Strega y el jugo de piña con huevo flotante, el caviar, el cacao, pasta de almendras y una pizca de pimienta roja.

5.- “Contorno Tattile (per Russolo)” (Ensalada polirrítmica)

Las mesas se juntarán y los camareros traerán para cada invitado una caja provista de una manivela en la pared de la izquierda, y que trae en la pared derecha, encajado al medio, una fuente de porcelana. En la fuente: hojas de lechuga desnudas, dátiles y uvas. Cada uno de los comensales utilizará la mano derecha para poner en su boca, sin la ayuda de los cubiertos, el contenido de la fuente, mientras que con la mano izquierda girará la manivela.

La caja desencadenará ritmos musicales: ahora todos los camareros, frente a las mesas, comenzarán un baile lento con grandes gestos geométricos, hasta la consumación de los alimentos.

Ingredientes: Hojas de lechuga desnuda, dátiles y uvas servidas desde una fuente con la mano derecha (sin tenedor). La mano izquierda gira la manivela de una “caja de resonancia”, que emite sonidos y ritmos geométricos.

6.- “I Rumori Nutrienti” (…y los sonidos nutritivos)

Tenemos miedo de la llegada de algunas complicaciones, pero la habitación de repente se ve inmersa en una diáfana luz azul y un motor comienza a crepitar en la habitación de al lado. El pintor Alberti anuncia severamente:

- ¿Pero por qué el hombre sonríe? – la aeronave navega a ocho mil metros de altura, y Marinetti confirma autoritariamente, explicando:

- Observe cómo el ruido de los motores favorece y nutre el estómago… Es una especie de masaje al apetito…

Finalmente, se desciende de la “estratósfera” culinaria, y la gente no encuentra nada mejor que entrar a batir furiosamente los platos de estaño, lo que promueve a la función de “Intonarumori”.

- Queremos el combustible nacional.

Y el combustible nacional (vino vulgar de nuestras colinas) avanza triunfante, se vierte un poco de leche y de aceite extra-denso. Es el vino en bidones. Es el vino en… leche; y a la espera del plato de centro, los comensales están a punto de roer las alas del avión panificado.

Pero también el plato de centro – es decir, el “Carneplástico con fuselaje de ternera”- llega. Y es un éxito indiscutible. El plato, a decir verdad, es futurista sólo en los matices. Se trata, en efecto, de una escalopa, aliada a una delgada salchicha, y el contorno comprende dos cebollas y dos castañas fritas. Pero después de los experimentos a base de naranja, las dos castañas junto a una salchicha ya no producen ninguna impresión.

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Lástima que la carne – después de la ronda habitual de presentación alrededor de las mesas – viene casi fría. Y no vale que Marinetti aumente el enfriamiento, afirmando que a ocho mil metros de altura, los alimentos no pueden mantenerse calientes…

Poco después, el jefe del futurismo gira su ofensiva contra el doctor Magli, representante de los Aqueos (de Acaya, Grecia), acusándolo porque ha osado oler la carne antes de saborearla.

- Esto – dice – es tradicionalista. Esto no es leal…

Y Magli, de rebote: Debería acercarse a su oído para oír si relinchó. – Y una risotada homérica dio la bienvenida a la broma.

El Aerobanquete prosigue como una broma entre cursos, incluyendo una copa de combustible nacional y un guiño nostálgico, pero en voz baja, a tortellini secos. S. E. Marinetti, sin embargo, no tiene nostalgia (se necesitaría otro). Él está muy entusiasmado con el simposio y de hecho exige que los cocineros se presenten ante él para aplaudirlo. Sin embargo, los interpelados son lentos en llegar, y Marinetti repite la orden. – Vengan los cocineros. – Y entonces una voz estentórea se eleva desde el fondo de la sala, proclamando:

- No vienen porque tienen miedo de nosotros! Pero se trata de una evidente calumnia, porque inmediatamente después, dos cordons bleus (pechuga de pollo rellena con jamón y queso) de la Casa del Fascio (uno de los primeros restaurantes en Italia que fue centro de reunión de futuristas), hacen su entrada, saludados con aplausos de Marinetti y sus seguidores. Pero los dos cocineros están indecisos. Temen ser objeto de burlas y parece que dicen en discurso silencioso:

- Señores nos perdonan, pero no tenemos la culpa…

7.- “Garofani Allo Spiedo“  (Claveles al asador)

(Fórmula del futurista Farfa, Poeta – Record nacional)

Largos cilindros delgados de hojaldre. Deslizar en cada uno cuatro claveles: blanco, rosa, rojo, púrpura, dorados en rosolí (licor de rosas) frío o en licor Roob Coccola de Zara. Al comerlos, pensar en su estilo floral.

8.- “Aerovivanda” (Aero-banquete)

Y ahora llegamos al Aerobanquete: es un plato que no recomendaría a los hambrientos. Se compone de una rebanada de hinojo, una aceituna y una gaseosa. No es más que una tira de cartón en la que están pegados, uno al lado del otro, un trozo de terciopelo, un trozo de satín y un trozo de papel de lija: el papel de lija – explica Fillia – no es obligatorio comerlo, sólo servirá para rasgarlo con la mano derecha, dando sensaciones prelabiales que harán más sabrosa la comida, la cual se debe llevar a la boca al mismo tiempo, con la mano izquierda.

En cuanto a los olores, el camarero vuelve con un gran aerosol rociando las cabezas de los invitados (Fillia les sugiere servir otra vez esta ablución capilar, tibia, por la seguridad de los resfriados y de los hombres calvos).

El “Aerobanquete” se compone de varias frutas y verduras que se comen con la mano derecha y sin la ayuda de ningún puesto, mientras que la mano izquierda acaricia un tablero táctil consistente en papel de lija, terciopelo y seda. Mientras tanto, la orquesta empieza a tocar un jazz ruidoso y violento, y los camareros rocían en el cuello de cada comensal un fuerte olor a clavel. La sala hace eco de los gritos de las mujeres violentamente rociadas con perfume, de la risa y del aplauso general, final y definitivo. Una sola persona permaneció ajena al entusiasmo general: inmediatamente interrogado se descubrió que era zurda – frotaba, por lo tanto, la placa táctil con la derecha mientras comía con la izquierda.

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9.- “Scoppioingola” (Explosión en la garganta)

Duro líquido constituido de una bala de queso parmesano empapada en marsala (vino dulce siciliano).

10.- “Latte Alla Luce Verde” (Leche a la luz verde)

(Fórmula de la Señorita Germana Colombo).

En un tazón grande de leche fría se sumergen algunas cucharaditas de miel, muchas bayas de uva negra, y algunos rábanos rojos. Coma mientras una luz verde ilumina la taza. Beba al mismo tiempo una polibibita (palabra futurista para cocktail) formada por agua mineral, cerveza y jugo de mora.

11.- “Bombe A Mano“  (Granada)

Esfera de turrón de Cremona envuelta en un gran filete a la sangre, salpicado de vino moscatel de Siracusa.

Ingredientes: Una bola de crema de nuez  envuelta en una grande y muy rara carne, y salpicada con vino moscatel.

Ante el festín que brindamos al diseccionar las reales recetas que ocupó Mike Patton para crear el Pranzo Oltranzista, es fácil darse cuenta que el disco en sí es complejo y plagado de retóricas. John Zorn, Erik Friedlander, William Winant y Marc Ribot se abandonan a sí mismos y se empalagan con formas abstractas musicales para recrear en distintas escenas cada una de estas recetas e historias con rimas paralingüísticas, que a la postre continúan atormentando a los músicos en cuestión por mucho tiempo más, siendo partícipe algunos de ellos en las complejas presentaciones que aún ejecuta “PERFORMA” en Nueva York sobre los Intonarumoris, pero ésa es otra historia que puedes leer en el siguiente artículo.

Para finalizar, sin lugar a dudas si escuchas el disco otra vez, le hallarás sentido a los sonidos y ruidos que aparecen en cada receta, te extendemos la invitación, y ahora con conocimiento, a degustar nuevamente tu Pranzo Oltranzista.

[Descarga La Cucina Futurista]

Por Claudia Huerta y José Ignacio Vidal

Pat Hoed, miembro fundador de Brujería mayormente conocido bajo el seudónimo de Fantasma, es un músico que creció en el estado de California en la época dorada del hardcore punk de la costa oeste. En aquél tiempo/espacio se vio rodeado de gente que cumple un rol determinante en la esfera de inspiración con la cual nació The Holy Filament y cuyas conexiones podrás clarificarlas en esta publicación.

Luego de su último y fugaz paso por Chile junto a Brujería en el Metal Fest, nos contactamos con él, y en una sincera conversación en directo, pudimos rescatar sus impresiones acerca de la carrera que ha forjado en los últimos 25 años, de la cual recuerda con un enorme grado de exactitud cada uno de los episodios que marcaron su nacimiento en el mundo del rock. Sin mayor preámbulo te invitamos a maravillarte con las declaraciones realizadas por el cubano más mexicano de todos.

¿Cómo se inicia tu relación con la música?

Bueno, como casi todo el mundo sabe,  las raíces mías son de Cuba, mis padres son cubanos y llegaron a los Estados Unidos en el ’60 a New York. En ese momento el sistema socialista no iba con ellos en cuanto a trabajo, y decidieron emigrar en búsqueda de libertad. Se conocieron en NYC en el año ’61 y posteriormente se vinieron a California, específicamente a Los Ángeles, el lugar donde yo nací.

Mi madre siempre tenía discos en la casa, álbumes de música cubana, del pianista Noro Morales, Machito, discos de Tito Puente… siempre sonaba música en la casa. A los 6 años comencé a tocar el piano, con un profesor muy alto, norteamericano recuerdo. Luego a los 10 fui a clases con un maestro ruso, con quien tuve clases muy duras. Ahí empecé a apreciar la música y a tocar piezas de Sergei Rachmaninoff, Prokofiev… piano clásico. Eso fue en el año ’74 o ’75, también en esa época tenía amigos en la escuela, y escuchábamos los discos de Led Zeppelin, también de Aerosmith y Black Sabbath. Esa música me interesaba mucho.

El año siguiente, el ’76 comenzó el punk rock… Sex Pistols, The Ramones, y eso me dio el impulso, la motivación para tocar la guitarra, que nunca la toqué, pero comencé con una que me regaló el bajista de Faith No More, Billy Gould.

Brujo, Billy Gould, Roddy Bottum y yo, nos conocemos desde los 13 años cuando estábamos en la secundaria. Todos estábamos envueltos en la música… Brujo no, pues él en esa época era más fan, más aficionado. Me puse a tocar y Billy también me regaló un bajo -uno bien barato- entonces le agradecí de por vida, y ahí practiqué por muchas horas en mi recámara hasta que aprendí. Bueno, tenía las ideas, la teoría de la música gracias a las lecciones de piano, y también tenía oído… entonces el camino del rock comenzó para mí.

Fuiste parte de la escena californiana de hardcore punk a principios de los 90′s…

Bueno, el primer grupo de punk -que tenía un nombre- en el que yo toqué fue con Nip Drivers…eso fue en el año ’84. Hay un EP que se llama “Distroy Whitey”, en el cual no toqué bajo pero la afición debe de escucharlo porque es un disco excelente. También hay disponible un disco de antología, una colección en el sello Taang! que incluye ese EP + el álbum “Oh Blessed Freak Show”, el primer trabajo en donde se escucha el bajo mío.

Ésa fue la primera banda con show propios y pequeñas giras de 4 ó 5 ciudades… San Diego, San Francisco, Las Vegas. Eso fue en el ’86, y ahí yo me fui porque la banda se estaba desbaratando, se fue el guitarrista, el baterista, entraron otras personas pero ya no era lo mismo. En ese entonces quise buscar algo nuevo.

Sin embargo seguía tocando por aquí por allá, pero nada grande. Al año 90 comencé a estar con gente de grupos como The Chemical People, Big Drill Car, la misma época en la que comenzamos con Brujería. De hecho el primer disco llamado “Demoniaco”, lo grabamos en abril del 90, en donde toqué batería.

Brujería era sólo un proyecto, pues Billy Gould ya tenía a Faith No More, quienes durante esos mismos meses explotaron mundialmente cuando sacaron Epic con Mike Patton. Además Dino Cazares estaba con Fear Factory, y yo en ese entonces ví la oportunidad de entrar al grupo Down By Law, a quienes respetaba mucho, sobre todo a su vocalista Dave Smalley. Él también tenía la banda DYS y encima tocó con Dag Nasty en el disco Can I Say, el cual es uno de mis discos favoritos hasta ahora.

Con Down By Law hicimos una gira en Estados Unidos junto a ALL, que ahora son Descendents. También fuimos a Europa…estuvimos en España, Alemania, Holanda. Fue una gran experiencia para mí, pues nunca había estado en una gira así. Lo aproveché al máximo pues no sabía si volvería a tener otra chance así. Eso duró hasta el ’94 y después dejé Down By Law… luego me concentré junto a Brujo en mejorar la calidad de los discos de Brujería.

De esa escena de punk rock en California ¿ves un legado existente en la actualidad?

Sí, todavía sigue la escena. Yo no sé si estás pendiente de Black Flag, pero hay dos variantes de ese grupo, como un split, pues Greg Ginn -el guitarrista original- tiene una variante, y Keith Morris tiene otra. Hace un par de semanas vinieron y se armó un buen alboroto. Esto sigue vivo, pero hay diferencias.

Lo digo porque conozco la escena. Tuve un programa de radio en esos años en donde transmitíamos punk y hardcore y conocía a muchas bandas. Antes no había celulares ni tampoco internet, era la época de los flyers copiados y era más sacrificado. Como dice Revolución, la canción de Brujería…había que meterse en cada rincón, así uno era parte del movimiento. Hoy las cosas están más fáciles, pues ya sólo la gente necesita Facebook y MySpace y ya lo tiene todo como para promocionar un show para el fin de semana.

De esa época un actor importante fue Jello Biafra y su sello Alternative Tentacles. ¿Cómo llegó a colaborar con Brujería?

Bueno, Brujo se conoció con Jello en una ceremonia de los Grammys. Le pasamos nuestra primera grabación y enseguida dijo “I wanna do this shit, man”. Otra cosa es que las primeras carátulas de Brujería incluyen recortes de la colección personal de Biafra, quien juntaba todas esas imágenes de asesinatos y cadáveres de los diarios sensacionalistas. Recuerdo que en la fiesta de lanzamiento de Machetazos andaba con una carpeta llena de esas cosas.

Posteriormente nació la idea que hiciera de Pito Wilson y puso su voz en la primera canción de Raza Odiada caracterizando a ese político racista. Y bueno, ahora nosotros con Brujería hicimos el cover de Dead Kennedys que llamamos “California Uber Aztlan”, del cual tenemos el proyecto de grabar un video clip. No es nada seguro pero está la idea.

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Machetazo Release Party. San Francisco. Jello Biafra – Greg Werckman – Juan Brujo. Foto por Jorge Castillo.

Aparte de esa canción, ya hemos podido escuchar otras nuevas como “No Aceptan Imitaciones”, “Pocho Aztlan”, “Ángel de La Frontera” y “México para Campeón” ¿En qué estado se encuentran las grabaciones del nuevo disco de Brujería?

La música ya está lista y sólo faltan las letras y voces. Se ha demorado el proceso porque varios de nuestros integrantes viven en Europa, además lo estamos haciendo de manera independiente sin que ningún sello nos obligue a grabar discos. Queremos hacer las cosas bien para que la gente pueda tener un gran disco de Brujería.

Además de eso te puedo comentar que cuando estuvimos en Metal Fest en Chile surgió la idea de editar un split junto a Brutal Truth, pero bueno, eso lo veremos y en una de esas resulta.

¿Qué tal la última experiencia en Chile?

Estuvo muy bueno el ambiente. Debo confesar que al ingresar al sitio de facebook del festival al momento que nos confirmaron, leí muchos comentarios como “Brujería no… esos huevones no son ni la mitad de Voivod”. Lo comenté con Brujo y él me dijo que no me preocupe, si los que escribían no eran más que 20 o 30. Bueno, llegamos al Movistar Arena, comenzamos a tocar y todos estaban muy prendidos con nosotros. Todo bien!

Con Brujería han recorrido muchos países, sobre todo en los últimos dos años donde han recorrido América y Europa. De todas las giras en las que has tocado, ¿cuál es el lugar que más te ha llamado la atención?

El año pasado tuvimos una gira por Europa del Este, en pleno invierno. Estuvimos en Slovakia, Slovenia, Rumania, Bulgaria… la verdad es que hacía mucho frío, todo lleno de nieve. Yo sólo quería que los clubes se llenen hasta la mitad, porque pensaba que la gente no iba a venir. Sin embargo todos los shows se vendieron completamente y la gente estaba vuelta loca con Brujería. Creo que esos son los lugares que más han llamado mi atención.

Espero que el próximo disco de Brujería nos lleve a oriente…sería buenísimo ir a Japón a tocar.

Cerrando el tema de Brujería, y hablando de un miembro fundador que ya no está hace varios años con ustedes ¿Cuál es tu relación con Dino Cazares?

Hermano, yo no tengo problemas con nadie, pues dejo que la gente haga lo suyo. El problema fue cuando con Brujería teníamos que tocar en Rock al Parque 2004, en Colombia, y Dino estaba con el tema de Roadrunner Allstars junto a Robb Flyn de Machine Head, y mucha otra gente trabajando en ese proyecto por el 25° aniversario del sello. Simplemente nos dejó botados y tuvimos que cancelar la presentación en Bogotá. Entonces ya decidimos seguir sin él porque tenía otras prioridades. Lo del tema de “No Aceptan Imitaciones” viene de ahí, pues él junto a su banda Asesino, posteriormente tocaban canciones de Brujería, pero no… Brujería es uno solo. Mientras estén Pinche Peach, el Hongo, Brujo, Yo… seguirá siendo Brujería, lo primero.

Ahora tenemos un nuevo guitarrista, el AK Kuerno. Ya sabes que Shane (el Hongo) es bajista, pero con nosotros toca la guitarra, y lo hace muy bien, sin embargo este nuevo chico vino a darle un sonido muy potente que de verdad nos ha dejado muy contentos a todos.

Pasando a otro tópico, me gustaría que me comentes un poco acerca de tu proyecto The Black Widows.

Bueno, The Black Widows no es un proyecto mío, sino que de un viejo amigo, Tony Bramel, el guitarrista. Él es conocido en Los Angeles… además tocó con The Bellrays, The Sins, The Grey Spikes, entre otros. Hacemos música instrumental  y yo toco el bajo ahí. Hace poco sacamos un disco que se llama “The Revenge of The Black Widows” que está bien potente. Es rock mezclado con surf. // — puedes visitar TheBlackWidows.net para más detalles —.

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¿Hay planes de promocionar The Black Widows fuera de los Estados Unidos?

Sé que tenemos buena aceptación, incluso en Chile y Argentina me lo han comentado, y eso está muy bien. Estuve comentando la idea de viajar con The Black Widows, y se está armando algo en España, pero no es nada definitivo… tú sabes, espero que todo resulte.

Hace un tiempo vi un capítulo tuyo en “What’s in my bag” de Amoeba Records, en donde elegías música bastante diversa como Possesed, Willie Colón, EPMD, Six Feet Under. ¿Qué estás escuchando por estos días?

Ah sí (risas)… sabes, luego de ver a Jeff con Carcass en Santiago, que dieron un show muy cargado, estoy escuchando sus discos Heartwork y Necroticism Descanting The Insalubrious. Sigo escuchando mucho Jazz, discos de Hip Hop, y Grindcore… ya sabes de todo para mantenerse en equilibrio.

Muy bien Fantasma, agradecemos tu tiempo y buena disposición. ¿Tienes algunas últimas palabras…?

Hey.. para toda esa gente que lee y escucha a Holy Filament, muchas gracias por todo y manténganse firmes en la lucha… orale cabrón!

—

Entrevista por Francisco Javier Rodríguez

Jon Madof es un guitarrista y compositor dentro de la vasta escena musical en Nueva York, su contribución radica en participar desde hace una década junto a John Zorn, Marc Ribot, Frank London, junto con Rashanim (Matraca en español) su power trío junto a Shanir Ezra Blumenkranz y Mathias Kunzli, combina una poderosa vertiente de complejas composiciones de rock/metal/funk junto con patrones de libre improvisación, además de profundizar en las raíces musicales judías místicas de medio oriente.

ZION, ya revisábamos aquel concepto con “New Zion Trio” con Jamie Saft, es un estilo dentro del movimiento Rastafari, el cual se define como un lugar utópico para la unidad y la paz, de hecho Zion es un lugar físico, una fortaleza Jesusa en Jerusalén, pero para el movimiento este lugar se encuentra en Etiopía, es un hecho que muchos rastas se sienten auténticos hijos de Israel, y su música está plagada de referencias a Sión.

Zion80 explora la música y vida del rabino Shlomo Carlebach (1925-1994), o mejor conocido como Reb Shlomo fue un rabino, profesor y conocido por ser a la vez compositor, ganándose el apodo de “The Singing Rabbi”, reproduciendo las raíces del judaísmo ortodoxo, para crear un estilo único dentro de la corriente jasidica, junto a la mezcla de Fela Kuti (1938-1997) un músico multi-instrumentalista y cantautor nigeriano, uno de los más importantes compositores del siglo XX en el continente africano, creador del fenómeno afrobeat, un género que mezcla el jazz, funk y cantos tradicionales africanos.

Es allí lo interesante del proyecto, cuando diferentes estilos musicales se unen en un solo punto de intersección, eso es Zion80, es muy importante de visualizar y sentir tan profundamente la particularidad de aquellas culturas encontradas por Kuti y Carlebach, personas que han aprendido de su historia musico-cultural, en modo de aleccionar a generaciones, sonidos que perduran hasta el día de hoy en muchas formas, una épica continuidad y legado para la humanidad, en diferentes ángulos y perspectivas, pero con un mismo propósito.

Toda la historia ha sido recopilada por Zion80 y su líder Jon Madof ha sido el encargado de impregnar en su colorido ensamble de músicos, 13 bellas obras de intensa actividad polirrítmica de la música jasídica, el afrobeat y la música experimental del downtown neoyorkino, siendo hoy por hoy una interesante apuesta llena de color y sabor, un punto aparte ante la melancolía de las vertientes musicales judías.

El álbum es sencillamente fantástico, hay solemnidad y raíces por todos sus flancos, un gran ensamble con atronadores bronces en un dream team que pocas veces podríamos ver juntos, por ejemplo en el tema Nygun, se comienza con un intro espectacular, solemne, para luego pasar a toda una fiesta. Las opiniones para el conjunto en vivo son formidables, es una pachanga mística en el sentido de darle mayor protagonismo a las trompetas y percusión, en Asher Bara podemos sentir los constantes sonidos del bajo, estos sonidos de bajo pasan a ser una constante rítmica muy interesante, estos ritmos se verifican en el tema Yehi Shalom, a lo que nos referimos es en el uso sincopado del ritmo, fiel a los sonidos afro-americanos entre el jazz y la música jaranera la fiesta en su totalidad está asegurada.

Zion80 está compuesto por Frank London, Matt Darriau, Greg Wall, Jessica Lurie, Zach Mayer, Brian Marsella, Aram Bajakian, Yoshie Fruchter, Shanir Ezra Blumenkranz, Marlon Sobol, Rich Stein, Yuval Lion, entre otros quienes se inviten a participar o reemplazar dentro de esta carismática banda como ha pasado con Marc Ribot o Cyro Baptista

Jon Madof – Zion 80 [Tz - 1875 / 2013]

1. Ein K’elokeinu
2. Tov L’hodot
3. Asher Bara
4. Holy Brother
5. Yehi Shalom
6. Pischu Li
7. Nygun
8. Dovid Melech
9. Nygun – Reprise

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Encuentra a ZION80 en:

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Por: José Ignacio Vidal

Ante la presentación de los taumaturgos Mike Patton, Trevor Dunn, Joey Baron y John Medeski en el Teatro Municipal de Valparaíso, anunciamos la venta de entradas para uno de los conciertos más perversos que la ciudad porteña haya tenido en su historia, que fluctuarán entre los $12.000 a $20.000 y serán puestos a la venta el Viernes 19 de Abril por Sistema Ticketek, (Tiendas Falabella y Cine Hoyts).

John Zorn, que continúa sacando discos mensuales por su sello Tzadik Records y con una agenda llena durante todo este año 2013 producto de la celebración “retrospección” de sus 60 años de vida (Zorn at 60), decidió venir a Sudamérica en Argentina, Colombia, Ecuador y Chile presentando uno de sus proyectos más descabellados titulado “Moonchild“, una banda nacida a finales del 2005 producto de una respuesta natural y una necesidad de volver a sentir aquellos estrepitosos sonidos de Naked City o Painkiller, siguiendo los patrones del avant-garde, experimental y libre improvisación, de manera agresiva, libre y con un descargo brutal de energía por parte de músicos versátiles, traduciendo e interpretando las  estructuras mixtas y complejas de John Zorn.

Los precios para la presentación variarán entre los $12.000 a $20.000, entre Platea Baja, Balcón y Galería sin numerar y se pondrán a la venta a partir del Viernes 19 de Abril

Las coordenadas en definitiva son:

Valparaíso, Chile @ Teatro Municipal | 13/06/2013

VALOR (más cargo por sistema):

- Platea baja: $20.000 (sin numerar)
- Balcón: $15.000 (sin numerar)
- Galería: $12.000 (sin numerar)

ENTRADAS A LA VENTA EN:

- Sistema Ticketek (Falabella y Cine Hoyts)
- SANTIAGO sin recargo en tienda SoldOut (Av. Providencia 2198 – Portal Lyon, local 79)

- VIÑA DEL MAR sin recargo en PROSOUND

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Hace un tiempo atrás me pronuncié respecto de esta magnífica banda, por supuesto mi opinión fue absolutamente positiva, aunque un tanto arriesgada dado a que en ese momento contaban sólo con un disco y un par de demos y se sumaba a esto la particular puesta en escena que explotaban, absolutamente teatral. Para refrescar la memoria les puedo comentar que sus integrantes son oriundos de Suecia y que cada uno de ellos proviene además de otras bandas las que a su vez cuentan con un grado de reconocimiento dentro de los circuitos underground del metal, sin embargo el misterio que les rodea ha logrado mantenerse a lo largo de su existencia. Musicalmente el objetivo fue crear sonidos Pop, Rock y Death Metal de los años 60, 70 y 80´s, y el resultado fue que obtuvieran sonoridades semejantes a las de agrupaciones como Blue Oyster Cult, Black Sabbath,  Merciful Fate, King Diamond entre otros, mas esta marcada influencia no le quitó protagonismo a los que ellos lograron finalmente desarrollar uniendo a esta su acertada creatividad, una mezcla que resulta ser progresiva y clásica a la vez.

A nivel mundial se esperaba con ansias algo nuevo de la banda, necesitábamos confirmar las impresiones que teníamos al respecto y con el favor de las fuerzas oscuras todo fue como se esperaba, este nuevo disco mantiene la elegancia e indiscutible calidad y se deja ver en él la esencia de Ghost B.C manteniendo todas estas características y dándole en esta oportunidad énfasis a los sonidos de corte pop y guitarras que suenan mucha más clásicas y por supuesto a la perfecta ejecución de cada uno de los oscuros personajes que integran la banda. Esta nueva producción que cuenta con fecha oficial de lanzamiento para el próximo 16/04/2013, tiene una duración de 45 minutos aproximadamente, no obstante los temas que lo componen son más bien de larga duración, como dije anteriormente se mezclan en él los ya clásicos sonidos metálicos de la vieja escuela, órganos de tubo y se añaden también otros nuevos como guitarras de estilo Rockabilly, sintetizadores, sonidos electrónicos y eclesiásticos coros que le entregan a este disco la cantidad justa de oscurantismo, lo que resulta ser a mi parecer una completa obra de arte y todo esto se logra gracias al talento de los músicos y de quien produce este nuevo registro, Nick Raskulinecz, conocido productor que ha trabajo con bandas como Rush, Deftones y Foo Fighters. Como en todo ámbito existen variadas opiniones y hay algunas que señalan que la banda está dedicada a lo puramente comercial y es preciso señalar que ésa es la intención y tiene que ver con poder explotar todas sus potencialidades para poder así entregar al público lo mejor que nos pueden dar.

Por otra parte su declarada ideología satanista no ha sido obstáculo para que un sello de la categoría de Universal, los tenga dentro de su catálogo musical, lo que  habla muy bien de cómo se están manejando las relaciones a nivel musical pues los prejuicios desparecen cuando se encuentran bandas de esta categoría.

No es fácil determinar qué canción es mejor que la otra en este disco, en realidad es bastante odioso pero para dejar una idea me puedo referir a dos de ellas, “Ghuleh” que es un tema suave pero potente a la vez y que nos relata la historia de una putrefacta reina Zombie que forma parte de los reinos más oscuros que podamos imaginar, mientras el Papa Emeritus nos cuenta esta historia fluyen oportunas guitarras Rockabilly y el nivel alcanzado con esta intervención sube, la rapidez se mantiene, órganos y coros eclesiásticos  dan la entrada a la parte final de esta tremenda canción. “Monstrance Clock“,  es en a mi parecer las más bella canción del disco, delicada y misteriosa nos invita a reunirnos para encontrar al hijo de Lucifer mientras un reloj custodia que todo suceda a tiempo…  la perfección en este caso se mantiene desde el principio hasta el final una magnifico tema.

Infestissumam puede ser adquirido en formato vinilo y CD, en este último se puede encontrar además la versión de lujo y la diferencia con el CD convencional es el booklet inserto en el, éste contiene imágenes que están inspiradas en la obra del artista Francés Gustave Doré, y se exhiben en él blasfemas imágenes de sacrilegios, orgías, de explícito contenido sexual lo que les ha valido el retraso en el lanzamiento de esta placa, pues en algunos fabricantes se negaron a imprimir los discos en formato CD, sin embargo esto es una prueba más de que nada de lo que hace Ghost es al azar, simplemente todo es perfecto.

 Ghost – Infestissumam [2013]

1. Infestissumam
2. Per Aspera ad Inferi
3. Secular Haze
4. Jigolo Har Megiddo
5. Ghuleh / Zombie Queen
6. Year Zero
7. Idolatrine
8. Body and Blood
9. Depth of Satan’s Eyes
10. Monstrance Clock

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• Revisa noticias e información de la banda en Ghost Oficial

Por Dolores Stroke

Los neoyorkinos de Gato Loco, adictos a la salsa y los sonidos de raíces latinas han estado en movimiento durante estas últimas semanas en la previa de su próximo lanzamiento, sucesor a su disco homónimo del 2011 (ver reseña), el cual debería estar en el mercado el mes de Junio a través de la etiqueta Winter & Winter Records.

No conformes con esto, los liderados por Stefan Zeniuk, han decidido editar un EP que contendrá dos singles y que será distribuido en formato vinilo, muy probablemente en el transcurso del mes de Mayo.

En este marco ya podemos disfrutar el primer sinlge “Splinter“, cuyo video clip fue dirigido por Chris Federico en las habitaciones de un banco abandonado en Bushwick. Nos mantenemos alerta para el estreno del segundo single, que también será promocionado con un clip.

Pinche aquí para ver el vídeo

Encuentra a Gato Loco en:

• GatoLocoMusica.com
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Review por Francisco Javier Rodríguez

New Zion Trio es el proyecto con el cual y durante los últimos años, el maestro del teclado Jamie Saft, ha canalizado musicalmente sus más profundas influencias ligadas al movimiento Rastafari. Con el apoyo del baterista Craig Santiago han encontrado la cohesión espiritual y fruto de la interacción e intercambio de conocimiento, hoy se encuentran en la previa del lanzamiento oficial de Chaliwa, el álbum sucesor del excelente debut Fight Against Babylon (2011, Veal Records).

En declaraciones realizadas en la excelente entrevista que tuvo junto a los mexicanos de afterpop, Saft ha sido enfático al comentar que NZT es el producto de componer en la cima de su carrera, en el contexto de estar rodeado por un partner que entiende no sólo el trasfondo filosófico de esta música, sino que también la ejecuta con la debida técnica que abraza el concepto de espiritualidad y energía, muy intrínseco del proyecto.

Junto al bajista neoyorkino Brad Jones grabaron en cinta las composiciones que dan vida a Chaliwa, cuyas masterizaciones fueron realizadas en el mismo formato y corrieron por parte del gran Scott Hull (Miles Davis, John Zorn). La placa saldrá al mercado el próximo 21 de Mayo a través de Veal Records, con la posibilidad de pre ordenarlo y descargarlo en digital a partir del 20 de Abril.

Bases pegajosas y muy reggae salen desde el bajo acústico de Jones en la obra, las cuales son entrelazadas con un piano de Saft muy amplio en términos de estilos. La rica combinación de música de origen rasta con jazz moderno que nos ofreció el disco debut es representada a cabalidad en Twelve Tribes y también en Zion Heights, dos cortes de una rítmica contagiosa que te conectan sin mayor esfuerzo al concepto NZT.

La experimentación y habilidad de ejecución son claves en Temples, un track que refleja la sinergia perfecta existente entre los músicos, quienes reconocen utilizar la técnica del aprovechamiento de energía y gravedad para interpretaciones naturales no forzadas. Las consecuencias emergentes de la interacción del trío junto a sus instrumentos -en la atmósfera propia de la música en cuestión- son únicas y poderosas en todo término.

Muestras de dub a través de Negus y Rasta Lion Dub, establecen un protagonismo inmediato a “Santi Dread” con el espectacular juego de ecos y reverbs que producen sus certeros golpes de batería, cargados de autenticidad y estilo. La etiqueta instrumental de Chaliwa queda adherida a todos los tracks con la excepción de la interesante colaboración realizada junto a Paul D. Huson, más conocido como HR (Human Rights), vocalista de Bad Brains, en Chant It Down, un tema de exquisito reggae grabado con un par de pistas de voces cargadas de líricas de lucha antibabilónica.

Las influencias y raíces judías de Saft están conectadas firmemente con el objetivo de New Zion Trio. La idea judía del Tikkun Olam habla de reparar el mundo y así es como efectivamente se canalizan las melodías de la banda. En  este marco, el sonido de Cherub Dub y en especialmente Pinkus, hacen referencia a estos orígenes con similitudes innegables a  la entrega Borscht Belt Studies, una gran pieza de Jamie Saft para Radical Jewish Culture.

En resumen, Chaliwa es un disco potente y de energía poderosa, que a través del jazz/reggae/dub e improvisación nos abre la puerta a un sendero infinito de relajo necesario. New Zion Trio es el vehículo que nos transporta a un nivel superior de tranquilidad y buena vibra, tal como el Chalice permite la conexión de los rastafaris hacia estados puros de mente en actos sagrados de meditación.

New Zion Trio – 2013 – Chaliwa

[Veal Records]

Tracklist:

1. 01. Twelve Tribes
2. 02. Temples
3. 03. Chant It Down
4. 04. Negus
5. 05. Pinkus
6. 06. Zion Heights
7. 07. Cherub Dub
8. 08. Rasta Lion Dub
9. 09. King’s Bread

Encuentra a New Zion Trio en:

• Veal Records
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