Andrew D’Angelo es un saxofonista con una trayectoria de más de 20 años en las ligas de la composición e improvización, a quien podemos definir como un perfecto músico ecléctico ejecutor del free/avant o modern jazz. Norteamericano, nacido en Greeley, Colorado; ha tenido participación en bandas como “Human Feel”, “Matt Wilson Quartet” y “Tyft”, entre otras.

Lamentablemente, durante el año 2008 a Andrew le diagnosticaron la presencia de tumores cancerosos en el cerebro, y como consecuencia de una detección temprana, fue exitosamente operado. Para financiar los costos de operación, exámenes y tratamiento, y de forma paralela al respaldo de su núcleo familiar, se realizaron muchos show benéficos alrededor del mundo, muchos de ellos con Trevor Dunn como protagonista…algunos con Trio Convulsant (Mary Halvorson, Ches Smith) y otros con músicos como Chris Speed, Oscar Noriega y Jim Black… agrupación que posteriormente conoceríamos como Endangered Blood.

D’Angelo hizo lo propio con “Living Health Big Band“, conciertos en los tocaba junto a sus amigos y posteriormente vendía discos y camisetas con un estampado de sus scanners cerebrales.

Lo que nos convoca sin duda, no es la biografía o la historia de superación de Andrew, sino la asociación musical que ha realizado durante este último tiempo. El mismo año 2008 ya lanzaba bajo su nombre de pila el disco “Skadra Degis” (Skirl Records). La particularidad es que en ese registro, los músicos que acompañaban el histrionismo sonoro de su sax, eran Jim Black (quien ha compartido grabaciones tocando batería con el mismo D’Angelo en bandas como “Human Feel” y “Tyft”, además de alinear en “Sons of Champiñon” con Nels Cline, entre muchas otras colaboraciones), y el bajo en aquel disco estuvo cargo del siempre activo Trevor Dunn, quien no necesita presentación ni muestra de trayectoria.

¿Pero que tiene que ver una Dicotheque Gay en todo esto?

Nada, absolutamente nada, sólo un divertido nombre que nace del título del último track del citado disco “Skadra Degis” con el que D’Angelo, en su proceso de recuperación -y muestra absoluta de energía, sentido del humor y optimismo- bautiza a la banda que armó con los músicos anteriormente nombrados, y con quienes tiene material grabado en espera de poder editarlo bajo un sello en el corto plazo. Estimados amig@s, así los invitamos a recordar, y si no los conocen, maravillarse con la bondad y talento de “Gay Disco Trio”

Pinche aquí para ver el vídeo

Con respecto al nombre de la banda, no nos gustaría aventurar en ninguna razón particular, y nos dedicamos a disfrutar de la -hoy en día- anecdótica serie de sucesos ligados al estado de salud de su creador que dio origen a este grato proyecto. Como dato podemos comentar que una entrevista a Trevor Dunn de inicios de 2010, le preguntaron sobre el nombre de la banda, y este se limitó a decir (con gran humor, claro) que que lo único que sabía era que Gay Disco Trio no tenía nada que ver con la música disco (!).

Aparte de echar un vistazo a la agenda de Dunn, y darnos cuenta que estará activo con D’Angelo Big Band a fines de este mes, creo que no hay mucho más que decir por el momento, pero esto nos deja con las antenas al aire atentos sobre cualquier movimiento de este particular proyecto, el cual esperamos tenga actividad a nivel de post-producción para su pronta salida al mercado.

Review por Francisco Rodríguez

Jessica Pavone es una joven músico/compositora estadounidense que derrocha carisma y talento a través de su arte en instrumentos de cuerda como el violín, viola y cello, entre otros.  Creció en Queens y desde hace unos años asentó base en Brooklyn, tiempo en el que se ha convertido en pieza fundamental del engranaje que da forma a la actual camada virtuosa de la nueva escena neoyorkina.

Siempre inserta en atmósferas de música melódica, composiciones minimalistas, folk, y también las cuotas necesarias de improvisación, ha plasmado su trabajo en diversos proyectos como The Thirteenth Assembly, The Pavones, Normal Love, Quotidian, entre otros. Ha construido una exquisita discografía que la acredita como líder (y co-líder) en más de 15 álbumes entre los cuales figuran sus duetos junto a Jackson Moore, discos solistas, y lanzamientos con la guitarrista y gran compañera musical Mary Halvorson (MH Trio, Trevor Dunn’s Trio Convulsant). De forma complementaria también es necesario comentar que su rol de colaboradora junto a Jeremiah Cymerman, Matthew Welch, Anthony Braxton, y The New York Underground Orchestra, ha dado frutos en más de 25 placas… cifras que sin dudas la catapultan a un lugar privilegiado a sus 35 años de edad.

Luego de debutar en la casa disquera de John Zorn en 2009 con su disco “Songs of Synastry and Solitude” (TZ-7719), Jessica Pavone vuelve este 2012 con su segundo álbum para la serie Oracles, “Hope Dawson is Missing”, un cuadro de 8 composiciones que entregan exactos 40 minutos de música docta fuertemente ligada al concepto de lo que conocemos como música de cámara. Con la colaboración de Toomai String Quintet, Mary Halvorson, Tomas Fujiwara y las voces de Emily Manzo, , la placa se vuelve un torrente de perfección y formalidad, generadora de fuertes escenas teatrales que agradecemos con total regocijo.

La instrumental Hope da el inicio con un escalofriante juego de cuerdas que -complementado con las percusiones de Fujiwara- dan el toque exacto de drama que envuelve la obra, un inicio que permite contextualizar el sonido que libera el pentagrama de la hábil Jessica en su permanente hábitat de exactitud melódica. La guitarra de Halvorson introduce a Providence, una hermosa canción que reluce con la inserción vocal de líricas escritas con la inspiración de la cordura y prudencia en el actuar del momento. La solemnidad de Dawn to Dark es impresionante, y dándole el título del track de mayor duración al disco, nos entrega un lapso de introspección con un frío sonar que grafica perfectamente la orientación del concepto invernal al cual se refiere la letra…sin dudas un trozo de gélida penumbra que te ancla en lo más profundo de la escena que construyó Pavone.

If You Can’t es una pieza de pizzicateo constante que adorna muy bien el segmento medio de la entrega, con una particularidad de quedar grabada inmediatamente por su ritmo noble y de toques medievales. Le sigue Plutonium, una composición netamente de inspiración clásica que con su configuración exclusiva de cuerdas le da un reposo absoluto a “Hope Dawson is Missing”, un espacio que invita a la meditación y reflexión con el vibrar de su esencia. Jump The Thunder cae en gracia y vislumbra la capacidad de Pavone en escribir piezas tan diversas, ésta podría ser parte de una sutil danza para elegantes teatros, de belleza única comienza a dar salida al disco con sus arreglos en percusión emulando tamborilleros sobre caballos galopantes.

La temática itinerante de la migración inspira a Deconstruction, Reconstruction, un denso y lento momento que da el pase para que explote Fujiwara en una intro de batería para llegar a la pieza folk del álbum, And at Last se titula el track que cierra con un juego de duetos entre platillos y enérgicos violines que tributan la transformación de la muerte expresada con la sutil voz de Emily. Un cierre dramático a más no poder.

“Hope Dawson is Missing” será lo próximo de la serie Oracles en Tzadik, álbum que estará disponible desde el 25 de Junio a manos de Jessica Pavone. Te invitamos a experimentar el placer de oír esta hermosa obra cargada de dramatismo y formalidad, compuesta por una verdadera experta en la recreación de imágenes teatrales a través de su música.

Jessica Pavone – 2012 – Hope Dawson is Missing [TZ-7727]

Tracklist:

1. 01. Hope [4:13]
2. 02. Providence [4:20]
3. 03. Dawn to Dark [7:51]
4. 04.  If You Can’t [2:57]
5. 05. Plutonium [6:05]
6. 06. Jump to The Thunder [4:33]
7. 07. Deconstruction, Reconstruction [4:30]
8. 08. And at Last [5:51]

Encuentra a Jessica Pavone en:

• JessicaPavone.com
• Tzadik

The Tango Saloon en poco menos de 10 años, lleva promulgando una idea fantástica de recrear hermosas melodías en Tango, homenajeando en muchas ocasiones a Astor Piazzolla, y puliéndose el grupo en el camino, llegaron a crear su primer y genial disco homónimo en el 2006 por Ipecac Recordings, y por consiguiente, Julian Curwin y compañía han recreado las perfectas bandas sonoras para películas western, Gypsy y mucho drama, con un hincapié hacia los sonidos del Jazz, Electrónicas y Experimental, sonidos estos últimos que envuelven a un nuevo nivel de Tango muy oscuro y juguetón, como lo fue su disco “Transilvania” (Ipecac – 2008), bastante picaresco en algún sentido, con juguetones arreglos, que llevo de hecho a hacer partícipe a Mike Patton en un track titulado Dracula Cha Cha.

Hoy la banda con su alineación que ocupa “en vivo”, nos trae una nueva maravilla que les presentábamos el año pasado por título “Shadows & Fow” estrenado en el mes de Abril por Romero Records, un nuevo sello recién inaugurado este 2012 por el multi-instrumentalista Julian Curwin en Sydney, Australia. Es así como Julian presenta este nuevo álbum como una nueva banda sonora para alguna posible película de cine negro, evocando borrosas figuras humanas en su música y en las imágenes al interior del disco te puedes llegar a imaginar el acecho de diferentes sombras encima de ti, una cita nocturna, un crimen que salió mal, traiciones, entre otras características oscuras por sobre la temática del disco. Si bien esta producción que consta de 13 tracks en nada homologa a las características métricas de Piazzolla, o Morricone, el mismo Julian encuentra que Shadows & Fog tiene un dejo o halo de Ennio en sus composiciones, para posteriormente crear un verdadero viaje musical, que estaba oculto desde hace un par de años, o por lo menos ya encaminado hacia ¿la luz? desde su último disco con The Mango Balloon Vol 1 (Rufus 2010).

Justamente nos encontramos con la ausencia de “luz” entre sombras y mucha neblina, pero encontramos la suficiente “candela” en Tango Saloon con una familia bien constituida, es decir hoy día cuenta con los mismos músicos que comenzaron por allá en el año 2005, con Marcello Maio, Sam Golding , Christian Watson, John Hibbard, Leonie Cohen, Mark Harris, Danny Heifetz, Jess Ciampa y Julian Curwin; es decir estos 9 han inventado un nuevo nivel inexplorado de sensaciones y exploraciones musicales, para crear un nuevo tipo de música de cámara, en donde pulen extensas y afiladas improvisaciones melódicas, buscando el expresionismo de cada uno de los músicos en las composiciones mismas de Shadows & Fog.

De los 3 álbumes de Tango Saloon, Shadows & Fog es la pieza más elaborada con muchas sutilezas en bronce y en guitarra, sobretodo en este último instrumento, en el cual se vislumbra afilados cortes rítmicos de este como por ejemplo en los tracks Gazpacho, The Suspect o The Stranger llenando de vitalidad y heroísmo a quién los escuche.  Femme Fatale, Shadows & Fog, Stakeout son capaces de llevarte a dimensiones muy depresivas o relajantes, dependiendo del caso en el cual tú te encuentres escuchando el disco. No hay una ciencia exacta para dilucidar este álbum, no hay encasillamientos, no hay ataduras, simplemente es un vaivén de fuertes emociones y oscuros juegos nocturnos, el cual deberás por ti mismo tener la debida precaución antes de caer un Rendez-Vouz, con tu víctima o victimario.

Shadows & Fog es un álbum plagado de misterios, y el disco como un todo, es una fina pieza de joyería en el cual simplemente los intrumentos como tuba, trombón, acordeón, guitarra y percusiones están delicadamente pulidos para entregar un sonido exótico, más allá de los antecesores álbumes de The Tango Saloon.

The Tango Saloon – Shadows & Fog [Romeo Records 2012]

1. 1. Heist
2. 2. Femme Fatale
3. 3. The Stranger
4. 4. Rendez-Vous
5. 5. Shadows & Fog
6. 6. Stakeout
7. 7. Cavatina
8. 8. Red Handed
9. 9. The Suspect
10. 10. John Doe
11. 11. Crimewave
12. 12. Gazpacho
13. 13. Hoodwinked

Reseña por: José Ignacio Vidal

Shelley Hirsch Y Simon Ho son dos aclamados músicos y compositores en sus formas, Hirsch es una eximia vocalista que ha trabajado con grandes como John Zorn, Fred Frith, Anthony Coleman, Okkyung Lee,  Ikue Mori, entre otros ilustres músicos y artistas relacionados con el mundo de Tzadik Records y más allá en la improvisación. La misma suerte corre para Simon Ho, un pianista oriundo de Suiza quién ha sido participe de importantes ensambles para orquestas y música de cámara en Europa, y cabe destacar la larga amistad entre ellos dos, quienes desde remotos años han trabajado juntos en álbumes como “The Far In, Far Out Worlds of Shelley Hirsch” (Tz – 7705) del año 2002, entre otras colaboraciones en vivo, han puesto en escenas variadas presentaciones de improvisación, junto a la yuxtaposición de obras musicales con multimedias de fondo, instalaciones en diferentes teatros, museos, galerías de arte, en todo el mundo, ambos como pregoneros de las primeras olas de músicos que representaban fuertemente la vibra del noise, y la libre improvisación a nivel mundial, junto con los grandes exponentes que ya detallamos en un principio, y que ten por seguro que faltan muchos más involucrados en la escena.

Entre ambos, de quienes podríamos estar escribiendo párrafos y párrafos, sacaron un nuevo disco en conjunto por nombre – Where Were You Then? (Tz – 7638) (Entonces, ¿Dónde estabas tú?) – es un álbum en el cual Hirsch recuerda el fallecimiento de su madre, en el cual en los extensos 16 temas del álbum describe los más vividos momentos que pasó Shelley junto a ella, cocinando aros de cebolla, los días domingo viendo televisión, canciones de niños, lleno de hermosos y profundos detalles claves de vivencias, con un interesante libro en su interior con el detalle de las líricas y gráficas de corte victorianas bastante sensuales, y que en su gran mayoría son cartas de amor de su misma madre, el cual al leer en su interior, en el trasfondo, es una obra muy cálida que te puede compenetrar hacia tus propios momentos de vulnerabilidad al recordar episodios claves en tu vida.

Un álbum por el cual desnuda Simon y Shelley los más íntimos recuerdos, dejando al descubierto diferentes etapas, con emociones íntimamente personales, con ese dejo de nostalgia hacia una pregunta abierta de pensar cuando ya no tienes a quién recurrir ¿En quién confiar?, en estos días en el que todo denota desconfianza y resquemores, ambos en “Where Were You Then?”  critican esta forma de vivir, bajo estimulantes arreglos y eufóricas prosas bajo la delicada y excéntrica voz de Hirsch combina la poesía textual con el canto, incluso mezclando en su alcance vocal hacia la vocalización de palabras en inglés británico y francés, mientras que Simon logra una buena sintonización entre el piano, acordeón y teclados, complementando entre ambos una suave degustación del buen sonido.

Where Were You Then? Son todos relatos existenciales, que expresan la fina línea que existe entre el amor por nuestros seres queridos y la supervivencia o amor en uno mismo en casos extremos como el 9/11, en el cual a modo de ejemplo, se relatan los posibles momentos y vivencias de Jim Gartenberg quién se encontraba en el piso 86 del WTC cubriendo, cuando el edificio colapso, se encuentra este caso en el disco con un tema del mismo nombre del periodista. Es una compleja simbiosis de narrativa repleta de cientos de detalles de todo tipo, situaciones perdidas, incómodos momentos, olores de infancia, son algunas de las contextualizaciones estilísticas del cual podemos describir de este impactante álbum.

El disco está disponible en la serial Key Series por Tzadik Records y en él nos encontramos con Tony Buck, Mich Gerbe, Shelley Hirsch, Simon Ho, David Simons, Misa Stefanovic, Tomas Ulrich, Daniela Bertschinger, Kathrin Boegli, Karel Boeschoten, David Gattiker, Stephanie Griffth, Dave Hofstra, Andi Hug, David Inniger, Karri Koivukoski, Sibylla Leuenberger y Michael Suchorsky.

Shelley Hirsch & Simon Ho – Where Were You Then? (Tz – 7638)

Tracklist

1. 1. Kathy Ray
2. 2. Maxime Cardon
3. 3. Never
4. 4. Hitchhiking/Heinz
5. 5. Giselle
6. 6. Julius
7. 7. Baa Baa Black Sheep
8. 8. Online Dating
9. 9. Where Were You Then?
10. 10. Jim Gartenberg
11. 11. Take Down the Wall
12. 12. Mining the Light
13. 13. The Nursing Home
14. 14. Floundering
15. 15. Earl and Me
16. 16. You Would Have Loved It!

Encuentra a Shelley Hirsch y Simon Ho en:

• Simon Ho Myspace
• Shelley Hirsch Web

Reseña por: José Ignacio Vidal

Voodoo Experience Festival anuncia en su cartel a Tomahawk, quienes como les habíamos comentado en entradas anteriores, durante el 2do semestre del presente año lanzarán su 4ta placa de estudio por titulo “Oddfellows” en Ipecac Recordings, cuyo estreno será tentativamente para el mes de Septiembre. El festival “Voodoo” se realizará durante los días 26, 27 y 28 de Octubre en City Park, New Orleans y entre los anunciados también están Neil Young, Justice, Join The Ritual, entre otros.

De paso también, según nos informan desde Bungle Weird, amigos asociados; Tomahawk estaría presentándose en el mes de Noviembre en Brasil, y dejando de paso el fuerte rumor de extenderse la posibilidad de tenerlos en Chile durante el mismo mes.

Pinche aquí para ver el vídeo

Más información en:

• Voodoo Experience Facebook
• Voodoo Experience Twitter
• BungleWeird Twitter

Decir que Trey Spruance es uno de los músicos más versátiles de los últimos tiempos ya es historia conocida, y hablar de los trabajos que lo consagraron es una redundancia, precisamente en este sitio. Puede haber fans de Mr. Bungle, Secret Chiefs 3 o de los proyectos del guitarrista con John Zorn, pero pocos conocen las aventuras musicales extremas en las que Spruance supo estar involucrado. En 1991 Spruance forma Faxed Head, donde los miembros de la banda usaban seudónimos tales como Neck Head (Trey) o LaBrea Tar Pits Head (Phil Franklin, batería); la historia de la banda cuenta un relato en donde la hermana de Neck Head los iba a demandar por inhalar pegamento, así que hicieron un pacto suicida. Hubo disparos y la mayoría resultó sano y salvo, menos Neck quien se voló el cráneo y ahora tiene una bolsa de comida encima de su alargado cuello. El bajista Graph Head (reemplazado por Jigsaw Puzzle Head) tiene una bala en el cerebro que lo convierte en un genio matemático (¡!), y es el guía para Neck, quien casi no pude valerse por sí mismo. La Brea Tar Pits, el baterista de Faxed Head, cayó en un pantano luego de dispararse, pero fue rescatado por un corredor que hacía su rutina. Mc Patrick, el cantante de la banda, se encuentra en silla de ruedas y con injertos de piel, pero es ayudado por sus enfermeras Shit y Fat (quienes aparecieron en 2001). Luego de esta historia fantasiosa pasamos a los hechos, la música de estos señores es demencial, variando entre las corrientes más desquiciadas del Heavy Metal: climas opresivos, guitarras espeluznantes y alaridos de un Belcebú moderno. El humor es clave en esta banda, verlos como “experimentales” es óptimo para comprender a este conjunto, quien a ha sabido interpretar temas disímiles a su propuesta como “Spiderwebs” de No Doubt.

Faxed Head

Faxed Head:

• Nech Head (Trey Spruance) – Guitarrra
• McPatrick Head (Gregg Turkington) – Voces
• Jigsaw Puzzle Head (Brandan Kearney) – Bajo
• Fifth Head – Sonidos, cinras, riñones (¡!)
• LaBrea Tar Pit Head (Phil Franklin) – Batería
• Graph Head – Bajo

Faxed Head podría ser considerado el epítome de la abstracción en la carrera de Trey Spruance, pero esta afirmación es totalmente incorrecta, dado que en 1994 el guitarrista formó junto a Trevor Dunn y William Winant a la experimentación sonora denominada Noddingturd Fan (conocida por NT Fan). Los registros de esta banda son compilaciones de diferentes artistas, en donde los tracks de NT fueron grabados en vivo y por diferentes músicos; el primer compilado se llama “Precipitation” e incluye el tema  “Forms The Attempted Imprisonment Of Mind Undifferentiated By Fabrication of Demiurge”, interpretado en vivo por Trey Spruance y Eyvind Kang, dando por resultado una deliciosa progresión de ruidos insoportables, ideales para el amante del Noise y la fórmula perfecta para hacer irritar a cualquier músico convencional. La próxima compilación es “Kitchen Skin Live”, donde Spruance aparece dos veces, la primera es una colaboración con el grupo Machines for Making Sense en donde el guitarrista de California se encarga de los sintetizadores análogos; mientras que la segunda colaboración es otra exasperante experimentación Noise con el nombre Noddingturd Fan. Al comienzo de la década pasada, más precisamente en el año 2000, NT Fan aparece en el último compilado: “Bad Times Ahead For Me”, incluyendo el tema “The Secret Mausoleum Of Mankind”, una pieza muy difícil de conseguir ya que sólo se encontró disponible con la revista Bananafish. La banda fue portadora de varios nombres, como Toi Nodding Turd o Toi Nodding Turd Fan

Otro proyecto sumamente extraño de Spruance es Three Doctors Band, que nació como un chiste y terminó siendo un proyecto experimental con un puñado de shows consigo. The Zip Code Rapists fue un dúo de San Francisco conformado por Greg Turkington (Faxed Head, voces) y

“Therapist John” Singer (guitarra), quienes solo por aburrimiento montaron una falsa separación en la banda (que llevaba consigo una enemistad fingida) para formar grupos con un sonido parecido al de Zip Code Rapists con el fin de hacerse de una base de fans. Singer formó The Zip Code Revue, una banda de nueve piezas que dejaba en un nivel muy inferior a Zip Code Rapists. Turkington formó The Three Doctors Band (basándose en el nombre de un tema de Zip Code Rapists) con solo tres guitarristas y una orientación al sonido lo-fi y crudo, con la participación de Trey Spruance en guitarras y teclados.

El primer disco de la banda fue “Back To Basics Live”, un intento de capturar la esencia de las tiendas de segunda mano en los 70’s con una pésima masterización y algunos covers como “Papa Don’t Preach” de Madonna. La banda terminó disolviéndose, solo para retornar con una reunión fingida y un EP bajo el brazo (94124) que contenía varios shows de Zip Code Rapists en Japón. Three Doctors Band se reunió por última vez en el estudio de Trey en San Francisco para realizar la grabación de una canción para un compilado japonés, llamada “We Deam Ourselves Into Being”, una canción repleta de psicodelia Hippie y letras semi-narradas.

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The Three Doctors Band:

• Trey Spruance – Guitarra, teclados ,órgano Hammond, mandolina, batería, coros
• Gregg Turkington  – Voces, coros, guitarra, platillos
• Brendan Kearney – Guitarra, órgano Hammond, coros,
• Margaret Murray – Guitarra, grabador, batería, saxo alto, coros.

Otros proyectos de Trey Spruance:

Millers High Life:  Proyecto en solitario de Spruance sin ninguna actuación en vivo. Noise puro.

Scourge:  Banda de Heavy Metal formada por Spruance y Jed Watts (batería, ex Mr. Bungle). Checkea la historia de Scourge en este  link

Forms:  Proyecto en solitario de Trey Spruance sin ningún registro discográfico, solo algunas interpretaciones en vivo de algunas canciones de la banda por Secret Chiefs 3. El único material que podemos encontrar de Forms es el tema “Heroes and Villains” en el compilado “Smiling Pets”.

Plainfield:  Spruance fue miembro de esta banda de culto en el under, la cual editó una considerable cantidad de vinilos de 7’’  y cuatro cd’s, entre varias compilaciones. Trey se fue del conjunto en 1995.

Actuaciones en vivo:

The Bon Larvis Band:  Un conjunto de fanáticos del Blues con Danny Heifetiz en batería y Gregg Turkington en voces.

The Hammers of Eternity:  Spruance, Dunn, Heifetz y McKinnor se divierten haciendo ruido en escena.

International Bustmonsters All Stars:  Elite de músicos de Noise, entre ellos Masami Akita y Gregg Turkington.

Rova Saxophone Quartet:  Rova Saxophone Quartet unió fuerzas con Mr. Bungle para un show especial, con música compuesta por Jon Raskin el 12 de Junio de 1994 en Kimballs Carnival. Lastimosamente, no hay registro de esta peculiar unión.

Los Parasitos:  Esta banda compuesta por Trey Spruance y Eyvind Kang, solo se ha presentado pocas veces en vivo, pero por suerte hay una definición concisa de su sonido: “Sadcore”. Éste término fue otorgado por una persona que asistió al Tonic de la ciudad de Nueva York en algún momento de los 90’s a ver a Los Parasitos, y se encontró con una música que “comenzaba lenta pero segura y finalizaba con un algo de luz”. En este particular show, Kang se encargó de las voces y hasta de la guitarra, entre otros instrumentos, lo que fue muy bien recibido por el público.

David Woodard – “The War Prayer”:   Trey tuvo la labor de participar en las trompetas en la composición de David Woodard basada en la historia póstuma de Mark Twain, “The War Prayer”, junto al orador Melvin Belli, William Winant y la Sinfonía de Platillos de San Francisco.

David Woodard – “The War Prayer”

• Informe por: Facundo Guadagno Balmaceda 
• Agradecimientos a Lord Othu

]]> http://www.theholyfilament.cl/articulos/trey-spruance-la-infinita-aventura-de-un-musico-inquieto/feed/ 4 http://www.theholyfilament.cl/entrevistas/bajo-el-amparo-del-mistico-senor-condor/ http://www.theholyfilament.cl/entrevistas/bajo-el-amparo-del-mistico-senor-condor/#comments Wed, 09 May 2012 02:32:24 +0000 The Holy Filament http://www.theholyfilament.cl/?p=6373 Cazuela de Condor: 8 años bajo el amparo del místico Señor Cóndor

Cazuela De Cóndor, Banda Nacional (Valparaíso), formada en el año 2004 integrada por Nicolás Gutiérrez en teclados, sintetizador y voz, Ricardo Lira en bajo, percusiones y voz, José Ignacio Cárcamo en guitarra, Emilio Pizarro en saxo tenor, flauta  y coros, y por Carlos Soutullo en batería y percusión, esta banda nos trae una propuesta melódica, increíblemente diversa, en la que se enredan estilos musicales tan variados como, el Funk, Rock Progresivo y Rock Sicodélico, Jazz, etc, además de incluir en esta amalgama, pinceladas sonoras que nos hacen rememorar a bandas de la vieja escuela musical Chilena como Congreso,  Los Jaivas, Carlos Cabezas, Embrujo, Fulano, e inclusive a Mauricio Redolés, con todo esto nos invitan a viajar por la galaxia acompañados de sus sonoridades sicodélicas, andinas y progresivas, buscando encontrar una muy anhelada cósmica liberación.

Su música se siente especialmente Chilena, tiene nuestra identidad, sus letras cargadas de sarcasmos, sus sonidos sicodélicos, experimentales y espaciales, tan modernos, globales y vanguardistas, y a su vez tan folklóricos y nacionales, todo esto le da un sentido completamente transversal a su música, abordando una mayor variedad de publico, teniendo este público, también ocasión de conocerlos, atendida la especial naturaleza de su arte.

Como es sabido, lo accesorio sigue la suerte de lo principal, y en este sentido  podemos distinguir variados contenidos en las letras que la banda crea para dar forma a su música, pues mezclan en ellas toques de humor negro y sarcasmo con señas a la actualidad, misticismo, espiritualidad, remembranzas de la niñez, o lisa y llanamente las más pura bizarrez, en este contexto destacan temas como “Pasión y Muerte del Señor Cóndor”, en el cual se basaron en algunos personajes del escritor Chileno, Juan Emar, para crear una especie de historia mística sobre un campesino que buscaba en la cordillera al Señor Cóndor, un ser superior que es un cóndor gigante, muy sabio, que le contaba cosas que podían cambiar la órbita del planeta…pura misticidad; con “Trauma”, nos pueden transportar en el tiempo, en él nos hablan de los miedos de la infancia,  como  a la oscuridad y a los monstruos que están bajo la cama o en el closet,  también pueden ayudarnos a crear conciencia ecológica, escuchando “El Duende y la Serpiente”, que habla entre líneas de los bosques y la acción del hombre que los está exterminando, pero con un duende como protagonista, con  “La Psíquica de Chimbarongo”, un tema de su última producción, rinden un sarcástico homenaje  a los psíquicos y al protagonismo mediático que les han dado últimamente a este tipo de programas televisivos, al parecer en este último pudieron predecir lo que se venía…  y para equilibrar, de buena forma, hechan mano a un bizarro humor, como en “¿¿¿Por qué???” (Un tema que data de los inicios de la banda) en el cual narran la historiade un hombre con muy mala suerte, deforme,  cuya esposa fue infiel, que no tiene extremidades y le debe mucha plata a la universidad.  En definitiva, una soberana bizarrez.-

Durante su vida musical han editado dos registros musicales, “Cazuela de Cóndor” en el año 2005 y “Pasión, Pánico, Locura y Muerte”  grabado en el año 2008, este último gozó  de reconocimiento a nivel internacional, pues los elogios no tardaron en llegar desde Italia, Francia, Argentina, México, Alemania, Canadá, USA y Japón, dejándolos  tácita y tácticamente en un rol muy bien logrado de embajadores culturales de nuestra música.  Por ahora se encuentran trabajando en la creación de nuevos temas, pues la alineación actual de la banda ha generado una energía que ellos quisieran dejar plasmada en una nueva producción.

Para conocer más detalles de los ingredientes que componen esta suculenta Cazuela, los invito a revisar la entrevista que cordialmente accedieron a responder…

Como describirían la identidad de Cazuela de Cóndor? La esencia de Cazuela de Cóndor es la fusión, la experimentación y la psicodelia. Esas son las máximas de la banda; que no haya discriminación ante la opción de utilizar cualquier idea musical o sonora. Todo lo vamos probando. Esta cazuela no tiene ninguna receta establecida, la idea es ir sazonándola siempre de manera distinta, con distintos aliños e ingredientes.  Así van saliendo los temas nuevos, como una especie de frankenstein musical.  Total, la olla es grande y resiste cualquier cosa.

Qué sensaciones buscan despertar a  través de su música? En un tiempo calificábamos nuestro sonido como “música para generar taquicardias” (risas).  Algunos de nuestros temas son bastante siniestros y siempre  hay partes con mucha tensión, incluso suenan un poco cinematográficos, como banda sonora de película de terror bizarro.  Queremos generar diferentes sensaciones en cada tema, que sean una especie de viaje introspectivo, psicodélico. Hemos estado bien pegados a la oscuridad últimamente, pero siempre la tratamos de apaciguar con toques de humor en las presentaciones en vivo y con algo de sarcasmo e ironía.

Cuales son sus influencias musicales? Creo que todos los integrantes de la banda somos súper buenos para escuchar música, todos medios melómanos,  así que en general abarcamos muchos estilos. Creo que todo podría eventualmente ser una influencia.  Ahora, en mi caso personal, escuché mucho rock italiano de los 70, mucha psicodelia y rock de cunterbury, mucho folclor,  mucho  a Los Jaivas. Hay otras bandas que para mí son fundamentales, como Gong, Magma y Samla Mammas Manna, que fueron súper creativas y muy auténticas en su tiempo. Rallo la papa también con lo más experimental, Fred Frith y todos sus proyectos, Aksak Maboul, John Zorn y todos sus proyectos, Mr. Bungle y etc, etc.  Pero también estuve pegado años con Pearl Jam, Alice in Chains y la onda más Grunge.  Me atrevería a decir a nombre de la banda que las influencias vienen del Jazz, del experimental, del progresivo más pelacable de los 70, del post Rock, mucho folckor chileno y obvio rock de los 90. Creo que dentro de nuestras influencias están también nuestras bandas amigas del puerto.

Quienes participan en la composición de los temas y en la creación de las letras? Los temas nacen de ideas que lleva alguno de los integrantes. Por lo general son  ideas mías o del Ricardo (bajo) y en los ensayos las empezamos a trabajar como banda. Ha sido muy importante la incorporación de Beto en la batería y Punto en la guitarra, quienes  también aportan con la creación de los paisajes musicales y le dieron un nuevo aire al sonido cazuelero.

Por que motivos Argentina, fue elegido para grabar su disco y no así Chile? La verdad es que la grabación fue en Chile, en los estudios CD PRO de Viña del Mar. Lo que hicimos en Argentina fue la Masterización y fue básicamente porque teníamos el contacto de los estudios ION, que fue donde grabaron el disco “Películas” de “La Máquina de Hacer Pájaros”. Supimos que tenían máquinas análogas para el proceso de masterización, lo que nos pareció muy atractivo a nivel de sonido. Todo calzó con que teníamos los medios  para poder hacerlo, así que lo pensamos y dijimos: démosle nomás.

En lo que respecta a los videos musicales, creo que son el complemento importante para ustedes como músicos… Claro, estos videos nacieron junto con el disco “Pasión, Pánico, Locura y Muerte” de 2009 y fueron hechos para ponerlos como visuales mientras tocábamos los temas. Son un excelente trabajo realizado por Ciclo Films, productora porteña de puros cabros súper creativos. Estamos muy agradecidos de ellos por su trabajo excepcional.

Cazuela de Cóndor nos ha revelado una noticia muy  importante, pues son parte del line up en el Love Fest,  festival que se desarrollará en Seattle (USA) en junio del año en curso, y para hacer más provechoso el viaje, suman a esta, una nueva presentación confirmada en San Francisco.

Pinche aquí para ver el vídeo

Como noticia de último minuto, les contamos que Cazuela de Cóndor, ha cosechado frutos, luego de un arduo trabajo, el que se ha extendido por ocho años ya, pues la banda ha confirmado su gira por USA, con nada y nada menos que con cinco presentaciones, tres de ellas a realizarse en San Francisco, con estadía según ellos mismos indican, en el hogar de nuestro querido Trey Spruance. Nuestras más sinceras felicitaciones a todos los integrantes de la banda.

 Encuentra a Cazuela de Condor en:

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Reseña por: Dániza Morales

Por Francisco Rodríguez

Kabul Golf Club (KGC) es una joven banda que nace en el año 2010 en la provincia de Limburg, Bélgica. Recogen su nombre del peculiar club de golf afgano que se caracteriza por la ausencia de greens y que durante muchos años estuvo cerrado por el gobierno talibán tras prohibiciones de práctica de deportes. Luego de la invasión americana al país que por años cobijó al controversial Osama Bin Laden, aquel campo deportivo fue utilizado como centro de entrenamiento en técnicas de manejo de minas antipersonales, es decir, KGC es un extraño lugar que ha sido fuente de acumulación de tensiones y raras sensaciones. De una personalidad muy ruidosa e intransigente, estos muchachos cultivan un rock bastante duro, que en su formato de cuarteto irradia  grandes cuotas de energía y potencial. KGC reconoce influencias de bandas como At The Drive In, Shellac, Blood Brothers, antecedente con el cual podemos asociar directamente a estos belgas a la corriente musical que cruza el hardcore punk con el noise rock.

A principios de este 2012 lanzan su primer trabajo llamado Le Bal Du Rat Mort, un EP editado por la etiqueta Uproar for Veneration, y que en sus 5 tracks dan una dosis perfecta de desahogo adrenalínico a través de sus desenfrenados riffs, llenos de distorsiones apoyados por la melódica y chillona performance de Florent Pevee, su cantante y guitarrista.

La tónica está dada por rápidas baterías y agudas ejecuciones en cuerdas que generan una especie de arritmia muy atractiva. Los poco más de 14 minutos que dura la placa son aprovechados en extenso por Kabul Golf Club para decirle al mundo lo bien armados que están con su radical sonido. Veloces, ruidosos y con pasajes intensos en bajo eléctrico (que por momentos harían referencia a un eventual esquizofrénico Claypool tocando en Dillinger Escape Plan, así de duro), llega la esfera de rata muerta pateada por esta incipiente banda europea. Sin más rodeos, te planteamos la inquietud de averiguar sobre KGC, darle una oportunidad y dejarte azotar por los ataques enfermizos de este grupo de 4 bestias sedientas de violencia y diversión.

KGC son: Florent Pevee, Jan Beckers, Joey Sweeck y Maarten Beckers.

Kabul Golf Club – Le Bal du Rat Mort [2012 - Uproar for Veneration]

Tracklist:

1. 01. Bits of Freedom
2. 02. Minus 45
3. 03. Fast Moving Consumer Gods
4. 04. 5 Minutes 2 Midnight
5. 05. Demon Days

Te invitamos a que le eches un vistazo al video clip de Demon Days (dirigido por Stijn Vanwing), el single promocional de Le Bal Du Rat Mort.

Pinche aquí para ver el vídeo

Encuentra a Kabul Golf Club en:

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]]> http://www.theholyfilament.cl/articulos/kabul-golf-club-violencia-y-diversion-desde-belgica/feed/ 0 http://www.theholyfilament.cl/noticias/se-filtra-el-dvd-de-despedida-de-faith-no-more-en-chile-2/ http://www.theholyfilament.cl/noticias/se-filtra-el-dvd-de-despedida-de-faith-no-more-en-chile-2/#comments Tue, 08 May 2012 16:26:34 +0000 The Holy Filament http://www.theholyfilament.cl/?p=6412 Ya está disponible el DVD de despedida de Faith No More en Chile

En horas de esta madrugada se filtró el DVD de despedida de Faith No More en Chile con fecha 5 de Diciembre del año 2010 en marco de su gira de dos años llamada The Second Coming Tour 2009/2010. Las características de este DVD no oficial de la banda es de calidad pro shot y este material sería el 3er concierto filtrado a las redes cibernéticas luego de La Gala en el Teatro Caupolicán (29 Oct 2009) y posterior concierto en el Estadio Bicentenario de La Florida (30 Oct 2009).

Ya está disponible para comprar por Amazon y próximamente por FeriaMix y torrents favoritos.

[Editado] Durante el día Jueves 11 de Mayo, se bajó el supuesto DVD de Faith No More en el catálogo de FeriaMix y en Amazon acotaron como información que el DVD pertenece a un concierto de la banda en el año 2009.

Demás está decir, y más en este sitio, que John Zorn es un artista sumamente prolífico, y que aquel que pueda seguir rigurosamente, sin omitir ni el más mínimo detalle de su extensa carrera, entonces merece algo de reconocimiento. En el año 2006, la mente inquieta de Zorn mezcló el Rock, el Avant Garde y otros géneros sumados a una cuota extensiva de demencia y psicosis, para comenzar su proyecto denominado: Moonchild. Pero Zorn no está solo en esta aventura, él compositor cuenta con compañeros infalibles, como Trevor Dunn (Mr. Bungle, Fantomas), Mike Patton (¿hace falta aclarar?), John Medeski y Joey Baron (Masada, Tim Berne, Michael Jackson), estos cuatro músicos están presentes en la última edición de Moonchild titulada Templars – In Sacred Blood, que se estrenará el 22 de Mayo en la Archival Series de Tzadik Records.

Para comenzar con un poco de historia, el primer cd de Moonchild, fue editado en 2006 bajo Tzadik (el sello de Zorn), y recibió buenas críticas, algo llamativo para un álbum que es enfermizo y a prueba de nervios, en donde conviven perfectamente el Trash Metal con la música Ambient, con la cuota de seguridad de que en las filas de la banda hay músicos loables, que se desempeñan con creces en cada ejecución musical. Si bien un disco en un año suena correcto, la mente creativa de Zorn no iba a conformarse sólo con una producción por año de su nueva creación, así que en el año 2006 Moonchild tenía un disco nuevo: “Astronome”. Este disco se divide en 3 actos que, básicamente, siguen la línea de su predecesor, así que lejos de ser una mera repetición de trabajos anteriores, podemos disfrutar de sonidos que parecen extraídos directamente de un manicomio. Un año después la banda edita “Six Litanies For Heliogabalus”, basado en el emperador romano Elagabalus, quien fue conocido por sus excentricidades y su desprecio por las tradiciones romanas y los tabúes sexuales. Bajo este panorama, una nueva dosis de esquizofrenia era esperable, con la particularidad de un ¿solo? de Mike Patton, el cual es la prueba de la variedad vocal del talentoso cantante, variando desde los gritos más desesperados hacia eclécticas vocalizaciones. Digamos que el grupo se tomó un “descanso”, para retornar en el año 2008 con un nuevo cd bajo la manga, “The Crucible”, en donde las canciones parecen tener un nuevo enfoque, un poco más directas y concisas (aunque claro, es un proyecto Avant-Garde Metal de Zorn, la experimentación es una constante), y por momentos somos hipnotizados con melodías clásicas de Masada, para luego llegar al descontrol con vocalizaciones dignas del Naked City más extremo. Para este momento la banda ya había girado por Europa y se podría decir que la consagración los alcanzó, pero lejísimos de rozar con un ápice de pereza, en 2010 la banda edita “Ipsissimus”, el quinto disco de estudio de Moonchild, y el último hasta la fecha. En este último lanzamiento, la banda nos deja otra demostración de Avant-Garde , con reminiscencias de capacidad para ser directo de su predecesor: la agresividad natural en el grupo y excelentes atmósferas de Jazz. La banda mostró una evolución notable, de ser un brutal descargo musical, hacia una música de estructuras complejas y mixtas.

Entre Octubre de 2011 y Enero de este año se han produjeron las grabaciones del nuevo álbum de Moonchild, el cual se titula “Templars: In Sacred Blood”, donde serán narradas la saga de los Caballeros Templarios de las Cruzadas hasta el derrocamiento de su Orden por el Papa Clemente V en el año 1312. Los Templarios eran una orden religiosa y militar la cual se conformaba de supuestos hombres santos que eran guerreros sanguinarios, quienes daban votos de pobreza cuando su riqueza era inmensa y superior a la de muchos reyes de aquellas épocas. Estos caballeros fueron poseedores de esa enorme fortuna, la cual se desvaneció al ser derrocados de su poder. La Cruz Templaria que puede verse en la tapa del disco es la Cruz de Occitania o la Cruz Cátara, utilizada por los Cátaros, un movimiento gnóstico que se asentó en el siglo XIII en tierras del Mediodía Francés.

Los Templarios eran confesos devotos de Baphomet, el mismo Lucifer, lo que encaja perfecto con el tema “Evocation Of Baphomet” que parece un pedazo del mismo infierno. Un cuerpo humano con cabeza de Gallo y piernas de Serpiente llamado el Sello deAbraxas, quien ha despertado polémicas por las diferentes hipótesis desarrolladas en base a él, posee el mensaje “Secretum Templi”, el cual puede ser relacionado con el tema que abre el nuevo material de Moonchid, “Templi Secretum” quién convive perfectamente con la cuestión de la canción bajo un clima misterioso y mágico; mientras que “Murder Of The Magicians” se vincula con el nombre del libro de Peter Partner, “The Murdered Magician” (donde el autor trata de explicar el modo de actuar de Los Templarios y sus incontables misterios) con un ambiente envolvente y cínico con trabajos vocales exquisitos. Escuchando cada canción del nuevo álbum de Moonchild, puedo decir que el clima envolvente y cautivante juega un papel importantísimo en el nuevo material, mientras que por otro lado hay momentos del clásico Metal de la banda junto con demencias vocales y ambientes lúgubres, una armonía perfecta para retratar la misteriosa y sanguinaria historia de Los Templarios.

Moonchild – Templars In Sacred Blood (Tz – 7398)

Tracklist 

01. Templi Secretum
02. Evocation of Baphomet
03. Murder of the Magicians
04. Prophetic Souls
05. Libera Me
06. A Second Sanctuary
07. Recordatio
08. Secret Ceremony

Reseña por: Facundo Guadagno Balmaceda

]]> http://www.theholyfilament.cl/noticias/moonchild-los-misterios-y-encrucijadas-de-los-caballeros-templarios/feed/ 3 http://www.theholyfilament.cl/reviews/enrico-gabrielli-y-mariposa-un-suave-cocktail-playero-en-trovarobato/ http://www.theholyfilament.cl/reviews/enrico-gabrielli-y-mariposa-un-suave-cocktail-playero-en-trovarobato/#comments Thu, 03 May 2012 00:39:48 +0000 Pulpo http://www.theholyfilament.cl/?p=6144

Review por Francisco Rodríguez

Mariposa es una agrupación de músicos italianos que cultivan un sonido cuyo origen está ligado al formato clásico de canciones, la psicodelia y los tintes propios que brinda el apego innato de sus integrantes a las vertientes más puras del free jazz y lo progresivo. Recogen elementos étnicos propios de las regiones de sus integrantes, con raíces en Veneto, Emilia, Toscana y Sicilia, dando origen a sus híbridas larvas armónicas que maduran en el contexto de la etiqueta que ellos mismos definen como “música modular”.

Tienen como base la ciudad de Bologna, y desde hace 13 años que mantienen un vuelo muy activo en la brisa que otorga la escena italiana. Durante este tiempo han editado un total de 13 álbumes y 2 EPs. Mariposa entrega discos que siguen líneas específicas, pero que entre ellos no guardan mucha relación, lo que muy bien habla sobre la creatividad y capacidad de moldear diferentes estructuras en el proceso de composición, así podemos encontrarnos dentro de su obra con grabaciones integradas completamente por canciones indie, otras de música instrumental, ópera para radios, y también esos álbumes compuestos de exquisitas mixturas incluyendo colaboraciones con músicos del medio.

Entre sus filas está un conocido de la casa como lo es Enrico Gabrielli (Der Maurer, Calibro 35, Mondo Cane), quien aporta con su gran capacidad de orquestación en el proyecto que realmente podríamos definir como su casa o gran refugio. Enrico se desenvuelve a placer y voluntad absoluta, tanto en composición/arreglos y en ejecución como multi-instrumentista.

Su más reciente producción es “Semmai Semiplaya”, un disco que busca dar una nueva salida paralela al trabajo que ha mostrado Mariposa en la última década, entregando un concepto semiacústico, muy veraniego que logra recrear con un sonido muy sutil y liviano la esencia progresiva/experimental de la banda, el cual puedes escuchar completamente en el siguiente reproductor:

Al decir liviano no nos referimos a un trabajo de escasa complejidad en su composición, sino que la fácil absorción de esta armónica obra se traduce en un puñado de tracks muy amigables que convergen hacia una agradable experiencia auditiva. Pterodactyls es el primer trago de aquel suave cocktail que grafica el cover del álbum, una canción de un exquisito blues de aires marinos orquestada casi completamente por instrumentos desconectados sobre la interesante voz de Serena Altavilla (vocalista de Baby Blue), quien a lo largo de Semmai Semiplaya se luce interpretando en inglés, francés y así como también en su nativo italiano. La secuencia continúa con Tre Mosse, una canción pop en la que destacan los vientos sobre una base de percusiones surf, muy propia de los años sesenta que brillaron con aquellos ritmos en la costa oeste de Estados Unidos.

Los sonidos mesurados de Pompelmo Rosa generan una atmosfera de calma y relajo que invita al descanso. El uso de sintetizadores emulando ruidos de aves, brindan coqueteos muy sutiles a la orquestación de aquellos discos utilizados por muchos para inspirarse en sesiones de meditación. La sorpresa que irrumpe en la placa viene dada por la entretenida reversión a Whip It de los norteamericanos de peculiares sombreros DEVO, el título en Semmai es Frustalo y con sus líricas en italiano brinda un toque muy auténtico que Mariposa muy bien supo explorar.

Chambre es la pieza “francesa” que viene cargada de electrónica con reminiscencias a la onda disco, llena de Groove y estilo funk por donde se le mire. Es seguida por Specchio, un corte de reposados teclados que suena atractivamente antiguo, filtrado en su versión digital con ese rico gustillo de imperfecciones que sólo da la reproducción de un vinilo sobre una clásica mesa tocadiscos. Así se genera la salida de la obra hacia una versión extra del track que abre el disco Pterodactille, que pareciera una versión mucho más antigua, elegre y más folclorica con su lírica en italiano.

En el marco del lanzamiento de Semmai Semiplaya, el día que fue puesto en el mercado, Mariposa hizo un tour en la ciudad de Bologna llamado “Tour en un Día”, que llevó a este grupo a tocar piezas de su nuevo álbum en 5 lugares diferentes, comenzando alrededor de las 7 de la mañana con Gabrielli tocando sax en las oficinas de Trovarobato, sello que alberga a bandas como Mariposa, Aidoru, y Transgender (Luca Cavina, Lorenzo Esposito Fornasari, Paolo Mongardi, Alessandro Perillo, Davide Santandrea), y del cual Enrico también es cofundador. De esta mini gira te adjuntamos el registro de Frustalo en Studio Spaziale, Bologna.

Pinche aquí para ver el vídeo

Mariposa es:

Serena Alessandra Altavilla – voz
Valerio Canè – bajo, armónica
Enzo Cimino – batería electrónica, percusión
Enrico Gabrielli – vientos, percusión, voz
Gianluca Giusti – piano, teclados
Rocco Marchi – guitarra de 12 cuerdas, percusión
Michele Orvieti – orvietronics

Mariposa – Semmai Semiplaya [2012 - Trovarobato]

1.  01. Pterodactyls
2. 02. Tre Mosse
3. 03. Pompelmo Rosa
4. 04. Frustalo
5. 05. Chambre
6. 06. Specchio
7. 07. Pterodattili

Semmai Semiplaya está disponible desde abril en Trovarobato, y puedes comprarlo tanto en formato digital, como también en vinilo.

Encuentra a Mariposa en:

• Official Website
• Facebook
• Twitter
• Trovarobato

Gracias a los creativos cerebros y exquisitos gustos musicales de estos artífices, podemos disfrutar hoy y desde hace un tiempo ya, de esta magnifica y enérgica banda, que aunque difícilmente puede ser etiquetada de alguna forma, esto debido a la pluralidad de estilos que trabajan, podríamos definir como una banda de Jazz Gitano, ellos aventurados por mantener vivas estas hermosas melodías, desarrollan una ecléctica propuesta, mezclando variados estilos musicales como Jazz, Rock, Klezmer, Folk, Rockabilly, Música tradicional Gitana, Europea,  Asiática y Oriental de la India, Tango, Flamenco, Música Balcánica, etc.,  una diversidad poco corriente, que logra captar la atención, también de un público tan heterogéneo  como los son ellos mismos y su manifestación musical, en su mayoría típicamente gitana. El hecho de que la banda cambie de un estilo a otro, o conjunten todos estos estilos dentro de un mismo registro, provoca un inevitable cambio en la forma, pero no el siempre pulcro, hipnótico, vigoroso e impecable resultado,  quien pues, puede quedar indiferente ante tan descollante melódica conjunción ? Imagino que nadie…

Fishtank  Ensemble, es una banda Euro-Americana, formada en Oakland EE.UU, el año 2004, y se compone por Ursula Knudsen (EE.UU) en Voz, Violín y Sierra Musical, quien cuenta con formación como cantante clásica, además de ser dueña de un registro vocal impresionante y la ejecución de la particular sierra musical.

Doug Smolens (EE.UU) miembro fundador de la banda, consolidado guitarrista y adepto declarado al Flamenco, educado para estos efectos en la mismísima España, quien ha participado con músicos Europeos y Americanos a lo largo de su vida artística, y que asimismo ejerce libremente como compositor y productor, y por si fuera poco ha participado activamente en la banda Estradasphere junto a su hermano Tim Smolens (Bajo).

Fabrice Martinez (Francia), a cargo de ejecutar el violín y el Violintromba, instruido por durante muchos años, por músicos gitanos de toda Europa.

Y,  por Djordje Stijepovic, dando vida al Contrabajo, dedicado a este arte desde que era un infante, quien además incorpora dentro de su línea de vida musical, la oportunidad de haber compartido escenarios con Lemmy Kilmiester, Slim Jim Phantom y Danny B. Harvey en la banda Rockabilly Norteamericana Head Cats.

Dentro de su discografía, encontramos tres registros, los que pueden ser adquiridos tanto en formato digital CD, como también pueden ser descargados on line desde el sitio en Bandcamp, pagando una módica suma por el disco completo o por los temas en forma individual.

• Super Raoul,  es su álbum debut, un registro en vivo, fue lanzado en el año 2004 y que contiene once fabulosos track´s, un valor agregado de este álbum, es que cuenta con la participación de tres miembros activos de la agrupación Estradasphere, Kevin Kmetz, Tim Smolens y Adam Stacey.

• Su segundo álbum, lleva por nombre Samurai Over Serbia, álbum lanzado el año 2007, compuesto por once animados temas.

• Y finalmente en el año 2010, liberan su tercer registro titulado Woman In Sin, el que nos muestra la madurez adquirida y consolidación musical de esta formación.

Actualmente la banda se encuentra trabajando en una nueva producción, teniendo la mayoría del material preparado, el que será grabado en Octubre del presente año, para posteriormente ser lanzado a finales de este mismo año, según lo ha indicado el mismísimo  Sr. Douglas “douje” Smolens, quien amablemente accedió a respondernos esta y otras preguntas que le formulamos…

Douglas, tu has sido el productor de los álbumes anteriores, en este último trabajo se da la misma dinámica? Si, nosotros produciremos el nuevo álbum, estamos en eso. Yo produje los dos primeros álbumes de la banda. En el disco “Woman in Sin” quisimos trabajar con mas personas involucradas en la producción y resultó genial,  pero por el contrario, para nuestro próximo nuevo disco, quisimos tener nuestro propio tiempo en el estudio en lugar de generar mas gastos.

Existe alguna forma de definir a Fishtank Ensemble? Básicamente Fishtank Ensemble es una colaboración creativa entre 4 músicos, que realmente aman la música Gitana /Romaní,  entre otras, nosotros somos seguidores devotos de esta música, pero la mezclamos desde nuestra propia perspectiva occidental. Muy a menudo pensamos que tenemos un pie en el pasado, y otro en el futuro.

Por favor describe el nexo entre Fishtank y Estradasphere.  Al principio en Fishtank Ensemble, habían muchos miembros de Estradasphere,  Tim Smolens en bajo (Mi hermano), Kevin Kmetz en shaminsen, y Adam Stacey en percusión. Desafortunadamente los muchachos no estuvieron mucho tiempo con nosotros, ya que estaban muy ocupados con Estradasphere,  por esos entonces se encontraba trabajando en su disco “Palace of Mirrors”.

La conexión con Estradasphere, se encuentra activa? Nuestra conexión con Estradasphere no se encuentra activa, pues la banda se separó hace ya algunos años atrás y Fishtank Ensemble se solidificó hacia un esquema fijo en el 2008, pero aún somos buenos amigos hasta el día de hoy.

Podrías darnos algún indicio del nuevo álbum? El Nuevo álbum será una continuación y extensión de nuestros álbumes anteriores, en él se mezclan muchas tradiciones folclóricas con nuestra propia visión musical. En este álbum tenemos más material original, aproximadamente 60-70% de originalidad. Hay algunos nuevos géneros que no hemos interpretado anteriormente, como el tango, rembetiko, clásica, y por supuesto mucho de música balcánica, rumana y swing.

Al terminar de oír estos tres álbumes, quedo con una agradable sensación, una sensación de haber viajado en el tiempo, recorriendo bellos y alegres lugares, diversos por cierto…todo gracias a esta bella música, y gracias también a que Fishtank Ensemble, es una banda capaz de generar distintos estados anímicos, regalándonos una fiesta musical, llena de matices, tanto melódicos como culturales, invitándonos a participar de esta jocosa caravana gitana, disfrutando de su increíble música, ejecutada a la vieja usanza, en la que se distinguen algunos cortes puramente instrumentales, otros en los que destaca la increíble voz de Ursula, su vocalista, deleitándonos con un exquisito registro vocal, las mezclas, las evocaciones a la música de antaño, y en general el aporte de todos los miembros de la agrupación, que es simplemente impecable, en el que cada uno demuestra una innegable pericia, dedicación y amor a lo suyo, además de venir a enseñarnos una propuesta musical tan diversa como autentica, esto en el sentido de evocar a través de sus creaciones,  las melodías de diversos territorios del mundo, inspirados por el folklore de cada uno de ellos, como así también por las vivencias particulares experimentadas por sus integrantes.

Pinche aquí para ver el vídeo

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Reseña por: Dániza Morales

Artículo/Entrevista por Francisco Rodriguez

Georges-Elie Octors es un percusionista y director musical nacido en Bélgica. Sus estudios formales los realizó en la Royal Academy de Bruselas, y comenzó su carrera como solista en la Orquesta Nacional de Bélgica en el año 1969. Dentro de su andar en el mundo de la conducción, ha dirigido un sinnúmero de orquestas sinfónicas, de cámara, y ensambles de música contemporánea, tanto en Bélgica como en el extranjero. Actualmente está a cargo de “Formation aux Langages Contemporains” en el Conservatorio de Bruselas, de “Música de Cámara” en la Escuela Superior de Música de Cataluña (Barcelona); y desde 1996 hasta la fecha es el director musical de Ictus Ensemble.

Ictus es un ensamble de música contemporánea con base en la capital belga, conformado por una veintena de músicos, que regularmente acostumbran a experimentar en el formato de sus presentaciones, generando experiencias audibles muy diversas en cada una de las temáticas abordadas. Paralelamente a sus presentaciones tradicionales, también realizan mini conciertos, shows “sorpresa” sin previa publicación, conciertos con relatos, actuaciones donde brindan plena libertad al público para deambular entre las etapas de las obras, entre muchas otras formas. En su repertorio de un gran espectro estilístico, figura la interpretación de composiciones de autores como Georges Aperghis, Steve Reich, Tristan Murail, Tom Waits, por nombrar sólo algunos.

En vísperas del lanzamiento del álbum Mike Patton/Luciano Berio – Laborintus II , conversamos con Geo Octors de Ictus Ensemble sobre la interna de esta curiosa y experimental colaboración que fue ofrecida al público a mediados de 2010 en el marco del Holland Festival en la ciudad de Amsterdam. El Concert Hall “Muziekgebouw aan’t IJ” fue el lugar testigo de aquella doble actuación de Mike Patton, en la cual interpretó la obra “Laborintus II” de Luciano Berio (escrita entre 1963-1965) en conjunto a Ictus y The Nederlands KammerKoor, seguido de un show de improvisación llamado “The Vita Nuova Sessions”, junto a Hank Bennink, Guus Jenssen, Mary Oliver, Ab Baars, y Michael Moore.

Mike Patton & Ictus Ensemble - Holland Festival 2010 (foto por tbeest)

Hola Georges, es un enorme placer para nosotros poder intercambiar algunas palabras contigo… cuéntame, ¿en qué está trabajando actualmente Ictus?

Hace poco salió al mercado “Matra” (2012 – Cyprès-Records) un disco interpretado por Ictus que consiste en una cantata escrita por Oscar Bianchi para un ensamble vocal, instrumental, y electrónica. Está basado en manuscritos del poeta y filósofo romano Lucrecio. Próximamente habrá una presentación en Francia en formato quinteto (solo vientos) de la pieza “Souffles” de Philippe Leroux, la que será complementada con comentarios in-situ del propio compositor.

Entrando en el contexto de Laborintus II, ¿Podrías comentarme acerca de cómo nace la idea de colaborar con Mike Patton en la interpretación de esta pieza?

La idea fue de Lieven Bertels, quien era el director artístico de Holland Festival (Amsterdam). Él es el gestor de esta colaboración que nos permitió trabajar junto a Mike.

Sabemos que Ictus es un ensamble que interpreta composiciones de diversos autores. ¿Habían interpretado alguna obra de Luciano Berio?

Sí, por supuesto, hemos interpretado muchas de ellas.

¿Cuánto tiempo tomó la realización de los arreglos de Laborintus II?

Como yo ya había hecho este trabajo antes, con diferentes ensambles, los arreglos ya estaban escritos. En aquella ocasión estuve trabajando por separado con la orquesta, y con Mike Patton. Hablamos de la interpretación unos pocos meses antes de nuestra primera reunión. Mike estaba muy bien preparado, y no tuvimos ningún problema para integrar su participación en la música.

Mike Patton lidera una orquesta (Mondo Cane) que interpreta canciones clásicas del pop italiano, en donde no sólo canta, sino que también produce y sugiere ideas/correcciones en la interpretación de los músicos. Aparte de ser el narrador en Laborintus II, ¿Mike Patton hizo intervenciones en el trabajo de Ictus?

En realidad no, porque él no estaba en Europa en el momento cuando comenzamos con los ensayos.

Claro, durante 2010 Mike Patton estaba en gira con Faith No More y se generó ese espacio en la agenda  de la banda entre sus conciertos a realizar en USA ¿Cuántos ensayos realizaron para poder presentar Laborintus II?

Solo unos pocos… ensayamos juntos en Amsterdam, pocos días antes del concierto. Pero fue suficiente!

Con respecto a la grabación del disco. ¿Laborintus II es el registro en vivo de aquella presentación, o hubo trabajo en estudio con los músicos de Ictus?

La mayor parte de la grabación corresponde a la actuación en vivo que mencionas, sin embargo hubo que hacer algunas correcciones utilizando la grabación del ensayo general… posteriormente Mike Patton envió algunas sugerencias muy interesantes y otros comentarios acerca de la mezcla del álbum. Esto fue realmente muy valioso e inspirador para nosotros!

Lo ideal en el lanzamiento de un disco, es su posterior presentación en vivo. ¿Eventualmente podría haber un nuevo concierto de Mike Patton/Ictus Ensemble interpretando Laborintus II?, ¿han conversado al respecto?

Tal vez, sí…pero hacerlo no sería fácil, porque es una producción bastante costosa monetariamente hablando. De momento no hay nada concreto al respecto.

Muchos de los trabajos de Ictus han sido publicados por Cypres-Records, ¿sabes si existe algún acuerdo con la gente de Ipecac Recordings para publicar a través de ambas etiquetas?

Lo siento, no tengo idea … me imagino que deberías ponerte en contacto directamente con la gente de Cyprès para obtener más detalles acerca de este asunto …

Averiguaremos al respecto. Geo, muchas gracias por brindarnos estos pequeños y sabrosos detalles sobre este trabajo… ¿Algunas últimas palabras que desees agregar?

No, sólo quiero decir que tengo muchas ganas de conseguir el primer CD que esté disponible tras el lanzamiento oficial. Saludos y los mejores deseos!

Mike Patton & Ictus Ensemble - Holland Festival 2010 (foto por tbeest)

–

Recuerda que Laborintus II será lanzado a través de Ipecac Recordings este próximo 03 de Julio. Si deseas ver aquella presentación de Mike Patton & Ictus Ensemble (+ The Nederlands KammerKoor) pincha ACÁ.

Por ahora, y en la antesala de este esperado estreno, te adelantamos el listado de músicos que contribuyó en la realización de esta nueva pieza dentro de la discografía experiemental de Mike Patton:

Créditos:

Música: Ictus Ensemble

• Flauta: Michael Schmid
• Clarinetes: Dirk Descheemaeker, Carlos Galvez, Dries Tack
• Harpas: Samia Bousbaïne, Jutta Troch
• Trompetas: Philippe Ranallo, Michaël Tambour, Loïc Dumoulin
• Trombones:  Alain Pire, Michel Massot, Nicolas Villers
• Cellos: Geert De Bièvre, François Deppe
• Contrabajos: Géry Cambier
• Percusión y Batería: Michael Weilacher, Gerrit Nulens

Coros y voces: The Nederlands KammerKoor

• Maestro de Coro: Klaas Stok
• Voz solo 1: Annet Lans
• Voz solo 2: Margriet Stok
• Voz solo 3: Karin van der Poel

Coro:

• Albert van Ommen
• Kathrin Pfeiffer
• Marc van Heteren
• Nine van Strien
• Alberto ter Doest
• Jasper Schweppe
• Marleene Goldstein
• Gilad Neezer

Narrador: Mike Patton

Conductor: George-Elies Octors

Mike Patton / Luciano Berio – Laborintus II [IPC133]

Encuentra a Ictus Ensemble en:

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• Twitter
• Vimeo

El Sábado 19 de Mayo Productora Mutante liderada por Ervo Perez, productor y músico noise/experimental, entre otras bellezas, sonidista y diseñador gráfico, quién desde 1998 ha destrozado oídos para algunos y reparado para muchos otros y quién desde el año 2005 ha repartido sus conocimientos entre países como Argentina, Uruguay y Brasil,  realizará nuevamente en Valparaíso sus cursos de Circuit Bending,  en Lautaro Rosas 510, ubicado en el sector de Cerro Alegre, continuando con la propuesta anual de mantener los cursos mensualmente durante el presente año 2012.

Circuit Bending para comenzar, es la acción de manipular aparatos electrónicos recuperados o comprados a un precio muy bajo con fines artísticos. Se trata de abrir, inspeccionar y hurgar en juguetes, mini-teclados, o cualquier aparato que emita sonidos, para fabricarte a partir de ellos instrumentos musicales de carácter único.

El curso comenzará con una pequeña introducción a las herramientas y equipamiento necesario. Se realizarán también ensayos de soldadura y otros procesos necesarios para empezar a trabajar. A partir de ahí, los alumnos podrán centrarse de lleno en la fabricación de su propio instrumento.

NO ES NECESARIO TENER CONOCIMIENTOS DE ELECTRÓNICA

Pinche aquí para ver el vídeo

El taller está destinado a Artistas visuales, sonoros, musicos experimentales y publico en general.

Datos:
Duración: 3 Horas
Fecha: Sabado 19 de Mayo
Horario: De 17:00 -20:00 Hrs.
Lugar: Lautaro Rosas 510, Cerro Alegre.
Capacidad:10 Personas
Arancel: $10.000 Pesos Chilenos (Incluye herramientas y materiales).

Nota: Para el taller solo deben llevar un juguete para modificar.

Inscripción: Tienen que escribir a productoramutante@gmail.com, para asegurar su participación y muy IMPORTANTE: Las inscripciones son hasta el Jueves 17 de Mayo inclusive. 

Más información en:

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No está confirmado aún, pero se acerca la presencia en Chile de Mike Patton como un ¿pre-confirmado? en marco del Festival Maquinaria 2012 a realizarse los días 10 y 11 de Noviembre en el club de campo Las Vizcachas, cercano a los limites de la comuna de Puente Alto, un lugar con 90 hectáreas de áreas verdes y  zonas de camping para acampar

La pregunta ahora es ¿Con quién vendría? podrían ser dos posibilidades. La 1era es con Tomahawk quienes se reunieron este año 2012 para lanzar dos ediciones muy especiales, la primera fue el 27 de Abril en Record Store Day un triple pack de vinilos de sus 3 discos homónimo, Mit Gas y Anonymous,  el cual estos tres vienen en una obra titulada “Eponymous to Anonymous” y en el mes de Septiembre lanzarán su nuevo disco el cual ya se encuentra grabado por Ipecac Recordings, y en donde si o si, la banda de Patton/Stainer/Denison/Dunn saldría de gira durante el 2do semestre, según afirmaba Record Store Day.

Otra de las bandas regalonas del público es Faith No More quién este año celebra sus 20 años del estreno del disco Angel Dust y quienes estarían activos en su gira Europea durante los meses de Junio y Julio del presente año, y quienes en el año 2011 tocaron el King For A Day en Maquinaria junto a Trey Spruance.

Los dados ya están lanzados, esperemos que nos dicen en los próximos días los capos de Maquinaria Festival! Por el momento  ¿Que banda prefieres tú?

]]> http://www.theholyfilament.cl/noticias/se-acerca-mike-patton-a-maquinaria-festival-2012/feed/ 35 http://www.theholyfilament.cl/articulos/entrevista-john-erik-kaada-el-maestro-de-la-reinvencion-musical-noruega/ http://www.theholyfilament.cl/articulos/entrevista-john-erik-kaada-el-maestro-de-la-reinvencion-musical-noruega/#comments Fri, 27 Apr 2012 23:41:29 +0000 Alaraco http://www.theholyfilament.cl/?p=6164 [Entrevista] John Erik Kaada “El maestro de la reinvención musical Noruega”

John Erik Kaada ha creado su propio camino como compositor montándose en una excitante aventura a lo largo de estos últimos 20 años sobre una fina línea de exuberantes aventuras en donde el rock y el folk han matizado para él un verdadero camino de ricas experiencias, en el cual Kaada en estos últimos tiempos ha puesto un mayor hincapié hacia las bandas sonoras de una decena de películas independientes en Noruega, construyendo bellas composiciones  orquestadas y experimentales.

Kaada además es dueño de uno de los grupos de rock alternativo más importantes de Noruega llamado Cloroform un trío explosivo vestidos de overoles, editando a lo largo de estos años 7 álbumes de estudio además de cientos de presentaciones en vivo, un trío de aplastantes sonidos fusionando el Jazz, Rock, Electrónicas, matizan álbumes de tremendas composiciones abusando de los micrófonos rompiendo cada una de sus células cerebrales, quienes desde el año 1998 han experimentado de forma histriónica las bases del noise y avant-garde noruego, entre Kaada, Øyvind Storesund y Børge Fjordheim.

La historia de Kaada es exquisita, no solo por contar con su tremendo grupo Cloroform que en estos momentos está en Status Quo, sino que también por crear exquisitos discos solistas de increíble belleza, en donde priman los paisajes sonoros de melodías tocadas con instrumentos exóticos, hasta evocar bandas sonoras que definitivamente no están en ninguna película, salvo en las cabecitas de cada uno de quién escuche las maravillas de “Music for Moviebikers” o “Junkyard Nostalgias” discos hechos y compuestos para enormes interpretaciones en piano y cuerdas, reuniendo desde el año 2003 a la fecha como solista, propiciando luego su más auspicioso proyecto titulado “Kaada Orkester” con más de una veintena de músicos en escena y una tonelada de instrumentos musicales, que a la postre es lo que Kaada estaría mostrando próximamente como producción.

Un genio que trabaja día a día componiendo canciones desde temprano en la mañana hasta la noche, y quién por su manera de trabajar llamó la atención de Mike Patton y sellarlo para siempre en Ipecac Recordings, además de grabar ambos un cd y dvd titulado Kaada/Patton en 2004 titulado “Romances” fue el cimiento para que de una vez,por todas creara su propio sello musical por nombre “Kaada Recording” como un pujante proyecto de metas definidas.

Kaada tuvo la amabilidad de darnos la mano y dar rienda a la sinceridad en una entrevista plagada de emociones, recorriendo lo que fue sus trabajos en sus inicios, su historia con Cloroform (Una banda que prepararía sorpresas), nuevos discos, nuevas bandas sonoras, su paso por Ipecac, su experiencia con Kaada Recordings, nuevos proyectos y mucha, mucha reinvención de este genio de 37 años oriundo de Noruega

¿En qué estás ahora?

Estoy apurándome para lanzar dos nuevos álbumes. Ha sido un largo tiempo desde mi último álbum, y espero que alguien todavía me recuerde por allí afuera.

Para comenzar ¿Cómo se formo Cloroform? ¿Cual es la historia detrás de la banda?

Cloroform ha estado allí dando vueltas desde hace mucho tiempo. Empezamos a tocar juntos porque simplemente somos los mejores amigos entre nosotros. Ensayamos un montón, y cuando comenzamos quisimos revolucionar el mundo, además de conseguir un montón de chicas. Y simplemente éramos unos veinteañeros en donde todos los días ensayábamos desde muy temprano en la mañana, hasta la noche.

Todos los discos de Cloroform en cuanto a composición son muy diferentes unos de otros, en especial el disco “DeconStruction” en dónde el piano gobierna totalmente en este.

La verdad yo no veo el punto de repetir algo que hemos hecho anteriormente. Así que todo el tiempo comienzo con un nuevo proyecto entre películas, una canción, un álbum o un tour, yo comienzo todo de nuevo en otro lugar con cosas que no he hecho nunca. Esa es la razón del porque durante todos estos años, ha sido tan entretenido y motivante para mí el crear música. Debe ser muy aburrido el tocar con una banda con el cual todos esperan que hagas las cosas similares que vienes haciendo ante tus grandes éxitos o cosas similares.

¿Porque Cloroform? Están un poco desapercibos de la escena últimamente…

El nombre “Cloroform” está ahí porque funciona simplemente.  Los tres últimamente estamos un poco ocupados por nuestros propios frentes, y ahora vivimos en diferentes partes de noruega, pero estamos lentamente desarrollando nueva música.

¿Eso quiere decir que se van a reunir pronto para hacer un nuevo disco?

Si, se viene, pero me temo que no para este 2012. Hay muchas cosas dando vueltas entre las partes involucradas, no estamos apurados, y se ve necesariamente natural que nos tomemos un tiempo con esto, para que tengamos algo bueno después en nuestro retorno, en vez de hacer algo por el mero cumplimento de sacarlo. Para ser honesto, creo que merecemos unos buenos años después de que en todo este tiempo hayamos tocado en 600 conciertos con 7 discos.

Anterior a todo esto tuviste la oportunidad de colaborar en Buzz Aldrin Ban, con Didrik Ingvaldsen.

Tuve la suerte de tener la oportunidad de tocar con más viejos y experimentados músicos, fue un tiempo para aprender, soñar y tener mucha curiosidad

Y mientras tanto tú creabas Kaada Recordings, como director y productor de tus propios proyectos, videos, bandas sonoras. ¿Cómo ha sido para ti estar envuelto en tu sello durante estos últimos años?

Ha sido crucial para mí tener los derechos de la música que uno tiene. Algunas personas les da lo mismo darlo por una cierta suma de dinero subir sus materiales. Pero yo tengo una larga perspectiva al respecto acerca de estas cosas, pienso que en 10 a 20 años desde ahora, no estaría para nada contento si alguna compañía de idiotas se queda con los derechos de mis trabajos.

¿Cuál es tu mayor meta para Kaada Recordings?

Mi meta, yo creo que sería tener el control del 100% de mis creaciones, y mantener una clara transparencia con todos. Así es la forma con la que yo trabajo y organizo mis asuntos, las cosas simples y llanas.

Tus proyectos solistas son realmente únicos y mucho mas pacíficos que con cualquiera de tus trabajos con Cloroform. ¿Ves tú a tus discos solistas como la banda sonora de tu vida?

No diría que sería en ese sentido, no están relacionadas con mi vida, más que eso, trato de que la música encuentre un sentido de entretenimiento y de significados para alguien que tenga el tiempo de escucharlos. Es acerca de difundir la música que a mí me gusta crear, y eso creo que es genial.

Tus dos primeros álbumes “Thank you for Giving Me Your Valuable Time” y “MECD” son similares en cuanto a vibras y energía ¡los encuentro hermosos!

¡Gracias! Sí, yo creo que ambos son algo diferentes, pero diferentes en el sentido de lo que hacía por esos entonces. Es solamente mi gusto de lo que he estado desarrollando o cambiando durante los años.

Thank You for Giving me… Fue el comienzo para entrar a “Ipecac Recordings” el sello de Mike Patton, pero me pregunto ¿Cómo llegaste allí? En definitiva lanzaste 3 discos por aquel sello.

En un principio Patton fue por Cloroform, pero no pude encontrar un espacio para ese proyecto porque sonaba muy similar a otras bandas de Ipecac por esos entonces. Así que me preguntó si tenía otros proyectos, y así fue como se inició mi contrato allí. A él (Patton) le gusto mucho el álbum “Thank You..”, y fue lanzado en 2003. Esto me abrió muchas puertas para salir adelante, y le estoy muy agradecido por todo el periplo que tuve con Ipecac.

¿Crees que habrá un Kaada/Patton II?

El tiempo lo dría ¿quién sabe?

Tus dos últimos álbumes solistas “Music For Movie Bikers” y “Junkynard Nostalgias” son muy hermosos desde su comienzo al final, y perfectamente se pueden encajar en una película. ¿Te imaginas estos álbumes en el soundtrack de una película?

Como te dije anteriormente, trato de recrear la música con lo que se me bien a la cabeza, y lo que siento tiene un significado al depender de tiempo para crearlo. Es verdad, mi diario vivir durante estos últimos 13 años ha sido de recrear bandas sonoras. Y ahora recién vislumbro que esto de crear sonoras se ha infiltrado en mi carrera artística de muchas maneras.

El Sonido de tus dos últimos discos te condujo a Kaada Orchestra. ¿Cómo fue esta experiencia en vivo?

Fue muy divertido de ejecutarla en vivo. Fue todo un reto, especialmente en todas las canciones calmadas. Desde saltar en el escenario como un mono mientras gritaba, haciendo rocknroll con mucha adrenalina, es más fácil que tratar de establecer un patrón de tranquilidad en el escenario con esas baladas. Tuvimos que traer con nosotros una tonelada de instrumentos.

¿Vas a editar próximamente tus trabajos?

Ahora estoy trabajando en dos álbumes. Uno es un disco en vivo, y el otro será el próximo KAADA álbum. Es un álbum, por el cual estoy de verdad buscando tocarlo para ustedes muchachos. Estoy muy orgulloso de este, me demoró casi 4 años el realizarlo. Lo cual es el mayor tiempo que he empleado en hacer algo. Se siente muy loco el pensar en el tiempo que se ha demorado, pero al mismo tiempo, ese fue el tiempo que necesité para reinventarme a mí mismo y encontrar un buen patrón para ir hacia donde quería avanzar.

Martin Kvamme ha estado a cargo de todas tus caratulas y artes desde Cloroform hasta tus álbumes solistas ¿Cómo escoges la producción artística de tus álbumes?

Yo y Martin somos muy buenos amigos, y por fortuna ambos tenemos el mismo gusto por el arte, comida, música, entre otras cosas. Cuando a él le gusta algo, puedes estar seguro de que yo asentiré. Yo solo trato de inspirarlo con muchos pensamientos y pinturas, esquemas de colores, entre otras cosas. A veces, cuando lo bombardeo con mis ideas, creo estar seguro que para el es una espina en el culo, al no dejarle hacer su trabajo por el mismo. Tengo siempre algunas ideas en los álbumes como un todo, y lo que trato de hacer es atravesarme con el álbum, esto último es algo que debe estar expresado visualmente también.

Ahora tú estás trabajando en algunas bandas sonoras para varios films noruegos como los que se vienen que son “Solage”, “Flimmer” y “Kampen on Niler”. Me imagino que debe ser tremendos retos para ti el componerlos.

Un filme o un documental usualmente consisten en crear más música que en un álbum, a veces por sobre una hora de música, así que debes mantener la cabeza fría, y tener disciplina en tus horarios de trabajo. Eso a veces es difícil de tener, si lo quieres tener todo bien, sobre todo cuando se acercan los tiempos muertos. Pero me encanta el despertar todos los días y  pasar mis días haciendo música. Las películas son una buena manera de desarrollar mis habilidades para asi convertirme en un mejor compositor. Si una película necesita algo… digamos un tango, bueno, tu simplemente debes de realizar un tango. Así que a veces ellos te fuerzan a crear música y a aprender acerca de otros estilos musicales, de otra forma quizás no te interesaría.

¿En cuál de todos tus proyectos en cuanto a bandas sonoras te divertiste más?

En todos los proyectos ha sido una maravilla en cierto sentido de una u de otra. Algunas películas ciertamente ha sido como el estar en una batalla, pero en aquellas películas han sido las que yo he aprendido más trabajando sobre la marcha.

¿Continuarás con otros proyectos para el 2013?

Tengo algunos proyectos sobre la marcha ya, y me estoy dando cuenta y estoy muy feliz de decir que estoy muy inspirado de crear música que nunca antes. De hecho aún estoy tomando clases de composición para aprender más sobre las orquestaciones tradicionales. Asi que aún me considero a mi mismo un estudiante.

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Entrevista por: José Ignacio Vidal

Desde un punto incierto de la historia de la humanidad, la estética de los años 50’s está muy bien aceptada por un grupo de gente (ya sean curiosos o degustadores de la época de los jopos) y se han hecho restaurants, series y películas que retratan de una manera u otra la moda de aquellos años. Recordemos que eran tiempos complicados, ya sea por la Guerra Fría y sus constantes amenazas de bomba o por las crisis económicas y moralistas. Ésta última vio su auge con el Rock and Roll en las caderas de Elvis Presley, que fue condenado por los grupos conservadores de Estados Unidos. La evolución de este sonido tuvo un nombre, “Surf Rock”, en donde la guitarra jugaba un papel fundamental y era la encargada de transportarte a una soleada playa de California. Bandas como Dick Dale And His Del-Tones, The Tornadoes o The Beach Boys, daban cátedra en un género al que le faltaban muchos horizontes por recorrer. Con el transcurso de los años el Surf Rock evolucionó, y ahora podemos disfrutar de bandas como Messer Chups o Man Or Astroman?, con sus arreglos particulares a las canciones.

Más abajo del mapa, precisamente en Buenos Aires, Argentina, existe una banda que lleva la esencia del Surf Rock en la sangre, pero casi por instinto cubren al género con cualidades únicas de ellos. Estoy hablando de Surfónica, una banda de Surf Rock que goza de estilo propio, conformada por Pablo Leonardo Labriola y Juan Sebastián Faccio en guitarras, Nicolás Manzi en bajo y Ezequiel Alvan en batería. Surfónica se formó hace 8 años atrás en 2004, siendo conformada con el fin de tocar en un cumpleaños, por suerte los miembros del conjunto se sentían cómodos tocando juntos así que la banda continuó hasta 2010, cuando se produjo su separación. Juan Faccio formó un grupo de Surf Rock con unos amigos, y naturalmente las cosas se dieron para que Surfónica tuviera vida de nuevo. La banda está lejos de considerarse a sí misma parte de algún revival, ya que para ellos es sumamente importante mantenerse con los pies en la actualidad y lo más importante, que el género en el que incursionan puede mutar con nuevos sonidos. Surfónica tiene un sonido muy particular, en palabras del guitarrista Juan Sebastián Faccio, la banda trata de plasmar lo que piensa, siendo o no conscientes de ello, descubriendo sonidos que resuenan en sus mentes. El grupo posee influencias variadas, Surf Report, Messer Chups y Los Tormentos pueden convivir perfectamente con Misfits, Dead Kennedys y Secret Chiefs 3 en las influencias de Surfónica, cosa que es muy palpable debido a los característicos arreglos del grupo.

Los shows en vivo de la banda son algo especial, los chicos tratan de transmitir sus sentimientos y de dejar todo en cada nota, dando un show único en donde podemos apreciar covers de todo tipo, ya sean de alguna banda de su estilo, o de algún show popular de tv. Además de mostrar interesantes habilidades con sus instrumentos, la mayoría de los miembros del grupo tocan otros instrumentos musicales además del cual utilizan en la banda, Ezequiel Alvan puede dominar la guitarra, Nicolás Manzi puede desenvolverse en el bajo y Juan Faccio con el clarinete.

Esta genial banda tiene un perfil en Purevolume, lo que permite que puedas escuchar 4 temas para calmar las ansias de un cd que está próximo a editarse

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por: Facundo Guadagno Balmaceda

Palms es un cuarteto de Los Angeles que comenzó como un proyecto de Clifford Meyer  y Jeff Caxide, ex – miembros de Isis, que al producirse la separación de la banda, decidieron seguir trabajando juntos con nuevas actividades musicales como Mamifer. Así es como comenzó Palms, a quien se le suma a Chino Moreno (Deftones) que, en palabras del cantante, espera poder combinar su sentido creativo con los otros miembros de la banda, y divertirse mientras realizan esto.  Palms por ahora es una incógnita, ya que podría ser  fácilmente catalogada como la continuación de Isis por los miembros que la conforman (Aaron Harris aporta la batería;  Clifford Meyers se desempeña en guitarra y   teclados, mientras que  Jeff Caxide  lo hace en bajo y teclados y Chino Moreno en voces).

El disco debut de la banda verá la luz durante el 2do semestre de este año bajo el alero de Ipecac Recordings, tras contar con la producción del grupo y la mezcla del baterista, Aaron Harris.

Parece que Chino Moreno no puede estar tranquilo sin estar en algún proyecto musical, no le basta con estar presente en Deftones, Crosses o colaborar con System Of A Down, sino que es capaz de sumarse a un nuevo proyecto de músicos talentosos como lo son los ex – Isis. En cuanto a los miembros de la desaparecida banda de California, ellos están muy contentos de comenzar con esta nueva aventura musical, que no debe ser tomada como una reminiscencia de Isis o Deftones, sino como una banda que hasta el momento es una de las sensaciones del año, y todavía sin haber publicado un disco. Por el momento revisa este exclusivo video de ensayo.

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por: Facundo Guadagno Balmaceda

Samech significa en el vocabulario hebreo “Besar” y es un signo gramatical a su vez que denota el movimiento circular confinado hacia el infinito, es decir no tiene ni principio ni final, y en la cábala representa al Samej o poder infinito de Ein Sof, la luz infinita de dios. Pero también es un proyecto de un cuarteto de cuerdas oriundo de la ciudad de Cracovia en Polonia, que nos trae esta vez los nuevos sonidos para la colección Radical Jewish Culture en Tzadik Recods. Samech es fundando en el año 2003 por la compositora y arreglista en viola Anna Ostachowska, quién es graduada de la Academia de Música de Cracovi. Su educación fue esencialmente la combinación de la música clásica y sonidos tradicionales del klezmer culto-formal. Anna ha estado íntimamente conectada con el distrito de Cracovia denominado – Kazimierz – el cual esta ha sido la capital de la música Klezmer en Polonia por muchos años. Samech en sus inicios era un grupo que sólo tocaba música klezmer tradicional pero después de algunos años de jugar y aprender junto a sus miembros sobre el estilo, lograron dar pie a nuevas sonoridades, que por cierto son muy hermosas, pero luego el grupo se estancó y cada uno de sus integrantes decidió tomarse un largo descanso y comenzaron algunos a viajar por todo el mundo desde el año 2006 hacia adelante buscando la divina inspiración ¿Y adivinen hacia dónde? No fue nada más ni nada menos que visitaron durante un par de meses Chile durante los meses de Agosto y Septiembre de aquel año ya citado; conversamos con el percusionista de Samech Robert Sztorc, quién nos explica las peripecias de Anna Ostachowska, Marek Lewandowski y Sztorc por nuestro país.

Todo comenzó durante los meses de Agosto y Septiembre del año 2006 “fue por un contacto que teníamos con la orquesta del Teatro Municipal de Santiago, e interpretamos la opera “Don Gioovanni” e “Il Trovadore” por la temporada de Primavera.  Mientras estábamos en Santiago tuvimos muchas oportunidades de ver y explorar los alrededores de la capital. Estuvimos en Valparaíso, Viña Del Mar e incluso en los centros de Sky en la cordillera, fue muy genial aquellos tiempos para nosotros, y fue muy inspirador para nosotros. Visitamos el museo de Pablo Neruda, y fue casi como estar tocando un pedazo de una gran historia allí”.

Luego de estas experiencias vividas en Chile los integrantes de la separada banda Samech en esos entonces volvían a Polonia con tremenda carga emocional que los trajo pocos meses después a Santiago para seguir tocando y disfrutando de nuestras tierras pero esta vez junto con la violinista Agata Kruz, Robert Sztorc nos comenta la historia “Volvimos a Chile pero por un tiempo más largo, y Agata decidió mudarse a Chile, ella amó mucho ese país, así que dejó la banda y se simplemente vivió por algunos años allá en Chile. Luego de eso,  tuvimos que encontrar a un nueva miembro para la banda y llegó Magdalena Pluta, una chelista quién hasta el día de hoy se mantiene con nosotros. Incluso en Chile visitamos algunos clubes de Salsa, porque a nosotros nos pone muy alegres el tocar música y a la misma vez bailarla”.

Luego de las aventuras de Sztorc y compañía entre empanadas, vinos, música, experiencias, en el año 2010 Samech volvió en gloria y majestad junto a la edición de su 1er álbum para la serie Radical Jewish Culture en Tzadik Records combinando en su disco diferentes tipos de música muy difíciles de clasificar, podría ser “world music” ya que los sonidos que ellos sintetizan son desde la música balcánica, serbia y argentina con el tango, con sonidos folclóricos de aquellas zonas locales logrando llevar a sus comensales hacia una enorme carga de emociones junto al sonido característico del Klezmer, música clásica, oriental arregladas por Anna Ostachowska, Marek Lewandowski, Magdalena Pluta y Robert Sztorc.

Cada uno de ellos sincretizo de la mejor forma posible sus influencias en el 1er disco de Samech por título “Quachatta” una mezcla perfecta entre los sonidos tradicionales y modernos de la música clásica y contemporánea. Sobre Quachatta, Sztorc nos aclara las razones del porque decidieron colocar aquel nombre al nuevo álbum. “Bueno, es como una especie de “nuevo lenguaje”, salió en un momento gracioso,  no hay una buena forma de explicarlo la verdad en inglés o español, pero es algo acerca de las pieles de los perros, es cuando por ejemplo un perro se sube a una silla y luego se baja, este deja pelitos en la silla, acá en nuestro lenguaje a eso se llama “Klaczki” y en la sesión de grabación, nuestra cellista Magda no sabía que el perro estaba ocupando la silla, y ella quería ocuparla, pero nuestro bajista Marek le dijo “No ocupes esa silla porque está llena de “Klaczata” (Refiriéndose a los  pelos) y nos morimos de la risa por la situación y esa palabra “Klaczata” la decidimos cambiar por algo más universal y así obtuvimos “Quachatta”.

Por de pronto Quachatta podría para nosotros generar la gran suspicacia de entenderlo como un disco muy humano en su realización, por de pronto Quachatta o Klaczata son 10 temas de inspiración netamente étnica, un trió de cuerdas mas una percusión. Son lo más parecido lo que hemos venido escuchando con Masada String Trio, combinando variedades musicales, melódicos barriendo composiciones rítmicas muy intensas, refrescando y emocionando al espectador bajo los hombros y preceptos de la música Judía internacional.

Quachatta es un producto final de un largo proceso de descubrimiento y que en su realización no estuvieron absenta las influencias sudamericanas y sobretodo también Chilenas en este. Sztorc, nos sigue explicando algunos detalles y aventuras en el proceso de descubrimiento de instrumentos  y sonoridades para Quachatta. “En Chile descubrí como percusionista increíbles instrumentos. En una feria artesanal en Santiago encontré muchos instrumentos hechos con piel de llama y también encontré “Palos de Agua” (llenado con arena de playa de Valparaíso!) Incluso me topé con un “Udu” este último es originario de Africa, y estos los compré en una pequeña tienda de música en Santiago, El Udu fue uno de los mejores que me he encontrado, incluso en el octavo track “Laj laj laj laj laj” lo ocupo. Incluso ahí utilizo el tambor hecho con piel de llama y lo ocupo en partes lentas, como una especie de jungla en los efectos de ambiente. Nuestro doble bajista “Marek” encontró en un  bajo acústico sin traste hecho por un lutier Chileno, y se lo compró y ¡hasta el día de hoy lo disfruta muchísimo!”

En el disco nos encontramos con notables reinterpretaciones de canciones como  “Di Terkische Khasene” y “Ajde Jano“, e incluso Agata mientras estaba en Chile, visitó Argentina, Perú y Bolivia, fue la tuvo más contacto con Sudamérica, y agregó un klezmertango por titulo “AGATango” el cual  es un condimento más en este disco lleno de hermosas texturas. Hay impresionantes anécdotas que nos llenan de satisfacción al escuchar una y otra vez el disco, incluso se dieron el lujito los muchachos de Samech de dar rienda suelta a la imaginación y creación en este, continua Sztorc explicándonos más detalles acerca de este. “Mientras estuvimos allí y escuchábamos la música originaria de Chile, de alguna forma sentimos este rico sentimiento latino, que un día simplemente nos conmovió para crear nuestra música. Y puedes escuchar en nuestro CD muchas influencias latinas en el. Por ejemplo en el track “Pigwan” cuando tocamos en una segunda parte con un tambor darabuka tipo estilo conga, o al final en “Quachatta” el cual es una canción que está llena de luz, que desprende un aire oceánico, con sus sonidos y movimientos de fondo, es una muy melodía que nos recuerda nuestros días de viajeros por allá”.  Y es verdad, en Quachatta se encuentran ricas variaciones en una atractiva mezcla de diversas influencias. Fue tan exquisita experiencia, que llamó de inmediato la atención de John Zorn, quién llamó a Scott Hull para editar y masterizar y editar el álbum para Tzadik Records, Sztorc nos comenta como fue la experiencia de contactar a Zorn y lograr un gran objetivo de llegas a las huestes de la Radical Jewish Culture en aquel sello.

“Sobre John Zorn y Tzadik, cuando formamos la banda en 2003 y grabamos nuestro álbum de estudio en 2011, nos tomó 9 años, y debemos decir que fue mucho tiempo el desarrollar, envolver, viajar y percutir nuestra música. Lo grabamos con nuestros propios fondos, y así fue como el material fue grabado íntegramente, enviamos nuestros demos hacia algunos sellos discográficos (El 1ero fue a Tzadik) y esperamos una respuesta. Después de una a dos semanas recibimos un mail de John Zorn ya que le llegó el CD a sus manos y el nos quiso poner de inmediato en su compañía. Así que bueno, esa fue nuestra conexión para llegar a él, fuimos aceptadosl, y la verdad  es que el disfruto mucho de nuestra música, y rápidamente nos puso en la Radical Jewish Culture, así que todo se nos vino muy rápidamente, Ahora se lanzó nuestro álbum debut “Quachatta” y estamos muy orgullosos de que este en Tzadik, es un gran honor y logro para todos nosotros!”

Quachatta es un disco muy intenso entre sus cuerdas y la percusión, logra mezclar lo mejor de los cinco continentes y ensamblarlos en un país rico de sincretismos culturales como lo es Polonia, y más aún en Cracovia, de principio a fin es una alegría inmensa el saber y reconocer que Sudamérica tuvo un dejo de “no sé que” en el álbum y nos deja absolutamente satisfechos de saber aquellas historias gracias a Robert Sztorc, quién se dio la molestia de explicarnos de que se trata esto, para tener desde ya la primera biografía de la banda en idioma Español, cosa no menor teniendo en cuenta la rica historia que cultivaba la banda desde hace ya aproximadamente unos 10 años.

Puedes escuchar su disco completamente gratis en su página web: www.samech.pl

Samech – Quachatta [Tz 8169]

Tracklist

1. 1. Kwisz Mahir
2. 2. The Dream of Rabbi Lavy
3. 3. Pigwan
4. 4. Ajde Jano
5. 5. AGATAngo
6. 6. Di Terkishe Khasene
7. 7. Sun Salute
8. 8. Laj laj laj laj laj
9. 9. Zwiertnuk
10. 10. Quachatta

Revisa su video oficial “Kwisz Mahir” entre otros videos en Samech Youtube

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Reseña por: José Ignacio Vidal

¿Ellos que saben de mi?

Cuando las emociones se combinan con sentimientos “amorosos” se crea el Tango perfecto, Pequeña Orquesta Reincidentes fue y quizás lo sigue siendo, un conjunto Argentino que vivió en el consciente e inconsciente colectivo de la población de sus fieles seguidores,  quienes de “pequeños” no tenían para nada de eso, eran gigantes exponentes del Tango/Jazz/Klezmer en Sudamérica, quienes con desgarradoras líricas pasionales, melancólicas, nostálgicas, desgarradoras,  se fueron por un proyecto totalmente distinto a las casillas que presentaba la escena musical del rock y el pop a comienzos de los años 90’s en la Argentina, es decir fue una banda que fusiono diferentes estilos de música masiva con el rock, mezclado con el tango, el klezmer, la música balcánica, con tremenda estética de explorar nuevas tendencias y así lograron editar en su larga carrera ocho discos de estudio sin toparse ninguno de estos con la misma vibra repetida en ellos, son reincidentes en lograr sonidos realmente hermosos y que pueden llegar directo al corazón de quién los escucha bajo cualquier estado de ánimo bajo un profundo romanticismo poético entre sus integrantes.  Si estás bajo una fuerte depresión tienes dos opciones al escuchar a Reincidentes, una podría ser el subirte de ánimo y la otra es  irte de bruces hacia el fondo de un hoyo muy profundo.

Pequeña orquesta Reincidentes eran: Alejo Vintrob: batería, chapas, tuba; Juan Pablo Fernández: voz, guitarra;  Rodrigo Guerra: voz, contrabajo, tuba, trombón, serrucho; Santiago Pedroncini: guitarra, banjo, mandolina, trompeta y Guillermo Pesoa: voz, piano, acordeón. Entre ellos lograron desde el año 1991 año por el cual los 5 comienzan una epopeya sin precedentes en la música y escena argentina con sus discos Tarde (1994), Nuestros Años Felices (1996), ¿Qué sois ahora? (1998), Pequeña Orquesta Reincidentes (2000), Mi Suerte (2001), Miguita de pan (2003), Traje (2005) y Capricho (2007). Como bien les comentábamos, ninguno de estos se parecen entre sí, salvo solamente en la siempre constante voz nostálgica de Juan Pablo Fernández, sus primeros discos hasta su placa homónima en 2000 se caracterizaron por ser álbumes rockeros y muy oscuros en cuanto a la percusión del sonido y poco a poco durante todos los años de vida de reincidentes, vivieron valiendo la redundancia en periodos de transición hacia la búsqueda de sonidos y encontrar su propio género como orquesta, cortando las etapas de sus carrera tajantemente con el disco “Mi Suerte” en el cual la rompen con temas como Sticks & Stones, El Portugués y Spiegelstrasse, y con este disco encontraron su propia alegría de decir… llegamos a un punto lánguido en nuestra carrera y crearemos nuestra más hermosa obra… Así tal cual y con mucho respeto podría robar palabras para lo que se vendría como el mejor disco y climax de la banda para un comensal normal con “Miguita de pan” un disco realmente precioso, lleno de matices hermosas con muchos detalles, una gran edición, sonido y líricas que te rompen el corazón, con la melancolía que se puede encontrar en todas las raíces folclóricas locales de aquella pasión y tristeza de la clase media y la colectividad perfecta matizada en grandes canciones simplemente, describir cada álbum o canción sería muy redundante de describir, pero podrían escuchar tres temas como Siete Suelas, Gallo Rojo/Gallo Negro, El Vaivén, termino simplemente de recitar verdaderas poesías artísticas de mucha profundidad e intensidad.

Miguita de pan fue para muchos e incluso para quién les relata una breve historia de Reincidente, la preciosidad hecha música, para pasar a otro corte de sus dos últimos álbumes Traje y Capricho, en general en todos, absolutamente en  todos sus álbumes, la banda no se preocupaba de crear grandes éxitos, simplemente tocaban canciones, por lo que el colectivo de individuos era tremendamente humilde, por lo menos y sin embargo hay un increíble trabajo de reunir a la banda y mucha originalidad a la hora de arreglar y componer la estructura de sus joyas perfectas para cualquiera. Una tristeza fue luego de su último disco capricho, la banda se separa en el mes de Mayo del año 2008 y cada uno comienza una ruta personal con sus propios proyectos, una gran explosión se suscito y todo se acabó, por lo menos siempre por lo en las radios como Valentín Letelier acá en Chile los pasan de vez en cuando, y aún me acuerdo que Tribulaciones también pasaba su música, que pegaba a nuevas generaciones como las de nosotros.

Luego el mundo de cierta forma quedó deudo de su música y composiciones, aferrándose a la melancolía de un pasado de oro, una belle Époque con pequeña orquesta reincidentes de fondo, aún así, su música sigue sonando y a mediados del 2011 salió un buen documental de la banda titulado “Qué sois ahora?” y citamos del documental para introducir a de lo que se trata este “intenta dejar testimonio de ese recorrido; de sus coordenadas políticas y culturales, de las relaciones y la obra atravesada por el paso del tiempo. La historia de Pequeña Orquesta Reincidentes, aquí, no deja de ser entonces el reflejo de otras historias cruzadas por múltiples aristas: la memoria de lo perdido, la obstinación por sostener proyectos contra un medio adverso, la percepción de éxito o fracaso, y la posibilidad de supervivencia de la expresión personal como signo de resistencia”. Que en conclusión principal como un todo, pero no como detalle para definir al documental, se explica y relata que la banda estuvo realmente en el lugar y tiempos adecuados durante 18 años, pero que no logro crear un colectivo por quizás ¿Qué razón? Nadie lo sabe y la banda tampoco, simplemente quedo en la historia.

Extrañamente para concluir la banda creo luego de su separación adeptos reincidentes, reincidentes que chocamos con su música, y que hasta el momento no son pocos, somos muchos, incluyéndonos a nosotros quienes tratamos con esta palabras rendir un instante de homenaje ¿triste? Sí, bastante… Nosotros para finalizar les recomendamos que escuchen su discografía, se van a encontrar con obras realmente ¡HONESTAS!

Revisa el documental Pequeña Orquesta Reincidentes: “Qué sois ahora?” [completo]

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Reseña por : José Ignacio Vidal